SURRÉALISME 21

Vendredi 25 mai 2007

Souffles de la Méditerrannée

Les environs de la Fraternelle à 19h

Une Anche Passe
Laurent Audemard : clarinettes, hautbois languedocien
Henry Donnadieu : saxophone ténor
François Fava : saxophones soprano, alto, baryton
Brigitte Mouchel : euphonium
Pierre Peyras : tuba contrebasse
Katou Philibert : tuba ténor
Daniel Solia : batterie, percussions, cajon, derbouka

En 1990, à l'initiative de Laurent Audemard, se crée une formation autour des hautbois traditionnels (instruments à anches doubles) joués en Languedoc mais aussi dans les pays du bassin méditerranéen sous les noms de tenora, piffero, taragot, doudouk, zurna, raïta... Dans la lignée d'illustres devanciers s'appelant Manuel de Falla ou Belá Bartók, la démarche du groupe étant de célébrer les musiques traditionnelles et d'y trouver inspiration. Au fil des rencontres cette odyssée acoustique a donné naissance à plusieurs créations saluées par la critique. Pour les Joutes, Une Anche passe a imaginé un répertoire se faisant l'écho de ces divers rendez-vous.

Motti Train – opéra de poche

La Fraternelle à 20h

Compagnie Henri Agnel
Milena Roudeva : chant
Milena Jeliazkova : chant
Henri Agnel : chant, cistre, sarod, oud, rebec, zarb
Doc Rossi : chant, cistres
Idriss Agnel : chant, tablas, zarb, oudou, batterie
Michèle Véronique : violon
Anne Carpena : scénographie, images

Multi-instrumentiste (guitare classique et flamenca, mandoline, luths, percussions) la quête musicale d'Henri Agnel l'a conduit aux quatre coins de la planète. Il apprend avec Si Mohamed Chaouqui au Maroc, Zahid Farani au Pakistan, Jacques Florencie ou Djamchid Chemirani. Il aborde la musique contemporaine avec Diego Masson, Jean-Pierre Drouet, Michel Portal, Georges Aperghis. Il compose pour Amina Alaoui, Marco Ferreri, Jean Daniel Waerghe, Arrabal, Angélique Ionatos, Misia. Pour cette création multimédia, Henri Agnel s'est appuyé sur un texte d'Anne Carpena composé à la manière des « cadavres exquis » chers aux surréalistes. Un texte qui sert de référent métaphorique pour évoquer des enjeux planétaires et de trame à une composition musicale fondée sur une large diversité de modes et de rythmes traditionnels du monde.

http://www.compagniehenriagnel.com

Compagnie Montanaro
Sylvie Berger : chant
Yannick Hardouin : piano
François Heim : accordéon
Daniel Malavergne : tuba et euphonium
Miquèu Montanaro : galoubet, tambourin, voix
Gabriel Yacoub : direction artistique
György Laszlo : films

La Polonaise, ce sont quinze chansons, presque toutes modales, qui décrivent les paysages du pays de Chopin, ses forêts et ses lacs, la ville de Katowice, ce que l'on aperçoit de la fenêtre du train, l'ambiance des rues, la chaleur des maisons. Elles dessinent aussi des paysages intérieurs, des sentiments, des élans, des retenues, tout ce qui emplit un amour autant partagé qu'impossible. Les musiques traditionnelles nous ont peu habitué à la narration d'histoires intimes et c'est un des paris de ce voyage intérieur de Miquèu Montanaro dont la direction artistique est assurée par Gabriel Yacoub, fondateur du mythique Malicorne, groupe phare du renouveau folk français. Sylvie Berger apportant sa voix magique à cette ballade polonaise.

http://www.compagnie-montanaro.com

Samedi 26 mai 2007

 

Hommage à Henri Jarrié 

La Fraternelle à 14h

Barre Philips, Miquèu Montanaro et Jean-Michel Bossini
Jean-Michel Bossini : piano
Miquèu Montanaro : flûtes
Barre Philips : contrebasse

« Les expériences de musique contemporaine sur la voie desquelles m'ont engagé Henri Jarrié ont marqué ma conception de la musique » dit Miquèu Montanaro à l'initiative de cette création. Originaire du Gard, Henri Jarrié (1924-2004), frère dominicain jusqu'en 1971, contribua à la qualité de la vie musicale en Provence. Avec l'organologue Pierre Rochas et Bernard Coutaz, fondateur d'Harmonia Mundi, il créa dans les années soixante 'Les soirées de musique française' de Saint-Maximin, autour de l'orgue historique du frère Isnard, l'un des premiers festivals en France consacré à la musique baroque. Dés 1970, Henri Jarrié se consacre à la promotion de la musique contemporaine. Parallèlement, il élabore, une méthode de créativité musicale à l'intention des enseignants et musicothérapeutes. Compositeur, Henri Jarrié fut un représentant de la musique atonale et laisse des pièces pour orchestre, des œuvres scéniques et des créations audiovisuelles.

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Scènes ouvertes

Parc de la Roquette à 14h30

Original'Occitana
Hélène ATTYA-AMAR | Claire BALLY| Mofida BELHAOUES | Muriel CHIARAMONTI | Anne GUICHARD | Carole LAZZERI | Mathilde PINATEL | Antoinette SOURDIVE

Elles sont marseillaises et « boulèguent » dans le quartier de La Plaine, fréquentant ainsi les ateliers de Manu Théron, chanteur du groupe Lo Còr de La Plana et directeur artistique de La Compagnie du Lamparo. Là, loin des folklores figés, des clichés bien trop usés, elles redécouvrent un répertoire traditionnel dépoussiéré.
contact : amicmac@wanadoo.fr

http://originaloccitana.over-blog.com/

Chants sacrés et chansons profanes d'Occitanie

Église à 15h

Renat Jurié et Jean-Pierre Lafitte

À travers ses activités au Conservatoire Occitan puis ses diverses collaborations (avec notamment Claude Sicre, Xavier Vidal, Eric Montbel, Serge Pey, Zebda) Jean-Pierre Lafitte est devenu une autorité en matière de flûtes. On lui doit la création de Trioc, association dont le but est de transmettre l'art du souffle puis du Centre Policam, lieu de promotion des arts (musique, calligraphie) s'inspirant du roseau. Pour sa part, Renat Jurié est une figure du chant d'Oc (Tarn, Aveyron, Ariège, Toulouse). En latin et en occitan, ces deux complices présentent un répertoire méconnu. Ils rappellent que l'école musicale de Saint-Martial de Limoges a fécondé une grande part de l'art du Trobar (invention poétique des troubadours).

Bal pour enfants

La Fraternelle à 15h30

Marc Perronet et Marie-Odile Chantran
Marc Perrone : accordéon
Marie Odile Chantran : vielle à roue

Prince de l'accordéon diatonique, la séduction, Marc Perrone la doit à des mélodies fatales et à une présence lumineuse. Des complicités avec Bernard Lubat, Michel Portal, Marcel Azzola, Arthur H, un engagement humaniste, des musiques de films et sept albums, font de lui un personnage rare. « Un musicien magnifique, voyageur dans le temps et réparateur de mémoire. Peut-être parce qu'il sait le prix et la valeur des rêves » a dit de lui le cinéaste Bertrand Tavernier. Facette méconnue de son travail, son répertoire en direction du jeune public qu'il vient proposer avec la chanteuse- danseuse, Marie-Odile Chantran. Avant de retrouver un peu plus tard sur scène, son vieux complice, André Minvielle.

Jean-Pierre Estèbe, spécialiste des danses occitanes, guidera les enfants dans la danse.

http://www.marcperrone.net/

Table ronde

Sous la tonnelle des amoureux à l'Auberge du Parc à 16h

La Création musicale en Occitanie

Sous l'égide du Chantier, le journaliste Frank Tenaille, spécialiste des musiques du monde, va publier aux Éditions du Layeur, Musiques et chants en Occitanie, La création d'inspiration néo-traditionnelle dans la France sudiste, 1965-2007.

Avant sa parution prochaine, une table ronde est organisée sur ce thème, animée par l'auteur avec certains acteurs essentiels de cette révolution esthétique dont Laurent Audemard, Valentin Clastrier, Miquèu Montanaro, André Minvielle, Eric Montbel, Denis Siorat.

Un focus sera également réalisé sur la lutherie, acteur fondamental de la création musicale. Preuve par le vif avec Denis Siorat qui a créé en 1986 le premier prototype de vielle électroacoustique et qui s'apprête à réaliser un instrument « 100 % électro ». Denis Siorat étant le luthier de 200 viellistes à travers le monde.

Scènes ouvertes

Parc de la Roquette à 16h

Haydé
LAOURA : Voix, flûte, percussions
Bernard SPADARI : accordéon, voix, percussions, arrangements
Jean-Marc GIBERT : guitare, mandole, voix
Tevfik TANCA : oud, bouzouki

Haydé, quelle que soit l'orthographe ou l'alphabet, signifie dans tous les pays des Balkans, « allez, allons, en avant ». Le groupe est né en octobre 2003,d'une rencontre en Bulgarie. Il nous emmène à travers les Balkans et la Méditerranée, de la Turquie à la Bulgarie en passant par la Grèce avec quelques incursions en Corse ou au Maghreb. Chants traditionnels : rébétiko, folklore tzigane et polyphonies sont ainsi revisités.

Contact : haydecontact@gmail.com

http://www.wmaker.net/haydeblog/

Les Intimistes

Église à 16h

Nizar Tabcharani

Originaire de Bteghrine, petit village du Mont Liban, Nizar Tabcharani s'est formé au Conservatoire national du Liban puis s'est produit avec de nombreux chanteurs populaires. Arrivé à Montréal, en 1998, il crée l'ensemble Backstrings qui réorchestre des musiques propres au Moyen-Orient avec des instruments tels que le kanoun, le oud et la darbouka. Ce soliste fait le déplacement depuis le Québec grâce à Musique Multi-Montréal, un organisme qui se consacre à la mise en valeur des musiques issues des grandes traditions du monde. Avec le soutien de Musique Multi-Montréal (Québéc).

www.musiquemultimontreal.com

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Les Intimistes

Église à 17h

Ismail Fencioglu

Ismail Fencioglu, joueur de oud, s'est spécialisé dans le chant turc classique au Conservatoire d'Istanbul. Compositeur et arrangeur, il s'établit en 2001 au Canada où il devient directeur du Chœur de Musique Turque de Montréal avant de fonder Le Chœur de Musique Turque d'Ottawa. Ce soliste fait le déplacement depuis le Québec grâce à Musique Multi-Montréal, un organisme qui se consacre à la mise en valeur des musiques issues des grandes traditions du monde. Avec le soutien de Musique Multi-Montréal (Québéc). www.musiquemultimontreal.com

Niyireth Alarcòn

La Fraternelle à 17h

Niyireth Alarcòn
Niyireth ALARÇON : chant
Juan Carlos MONTES : tiple et percussion
Sandro TORO : guitare et bandola

Cette chanteuse colombienne a été découverte par Miquèu Montanaro lors d'une résidence à Medellin en 2005.
D'aucuns ont pu la découvrir lors de la création Suite colombiana l'année dernière. Cette fois, la native de Huila fait le déplacement pour nous présenter son propre répertoire, en l'occurrence des compositions et des adaptations de poètes latino-américains sur des musiques de danses traditionnelles (passillos, bambucos, guabinas, torbellinos).

Avec le soutien de l'Ambassade de Colombie.

Scènes ouvertes

Parc de la Roquette à 17h30

D'Aqui Dub
LAOURA : Voix, flûte, percussions
Bernard SPADARI : accordéon, voix, percussions, arrangements
Jean-Marc GIBERT : guitare, mandole, voix
Tevfik TANCA : oud, bouzouki

Haydé, quelle que soit l'orthographe ou l'alphabet, signifie dans tous les pays des Balkans, « allez, allons, en avant ». Le groupe est né en octobre 2003,d'une rencontre en Bulgarie. Il nous emmène à travers les Balkans et la Méditerranée, de la Turquie à la Bulgarie en passant par la Grèce avec quelques incursions en Corse ou au Maghreb. Chants traditionnels : rébétiko, folklore tzigane et polyphonies sont ainsi revisités.

Contact : haydecontact@gmail.com

http://www.wmaker.net/haydeblog/

Rencontre improbable & duo impromptu

La Fraternelle à 18h15

Valentin clastier et Stevan Kovacs Tickmayer
Valentin CLASTRIER : vielle à roue électroacoustique
Stevan KOVACS TICKMAYER : claviers

Grâce à sa virtuosité et ses innovations techniques avant-gardistes mariant influences traditionnelles et sons expérimentaux,Valentin Clastrier fait figure de maître incontesté.
Compositeur,pianiste,contrebassiste,Stevan Kovacs Tickmayer, né en ex-Yougoslavie, s'est fait remarquer par ses collaborations (avec le chorégraphe Josef Nadj, le chef d'orchestre Gidon Kremer, des musiciens expérimentaux comme Fred Frith, Chris Cutler ou Szabados György, ses créations à l'Art/OMI de New-York). On peut qualifier le travail de ce duo de laboratoire musical. Quand vingt sept cordes traversent les paysages et les couleurs dessinées par les technologies « à la Tickmayer », la sidération et la séduction sont au rendez-vous.

Fusion made in Marseille

Théâtre de Verdure à 19h

Jugal Bandi
Sayon BAMBA CAMARA : chant
Richard BERNET : hemen dotara, sarid, esraj, flûte indienne
Éric MASSUA : bugle
Laurent PERNICE : basse, gopichandi
Nabankur BHATTACHARYA : tabla
Hamid GRIBI : calebasse, bambou toms, sanza

En sanscrit, Jugal Bandi signifie liés ensemble. En réunissant sur scène une chanteuse guinéenne, un percussionniste algérien, un joueur de tabla indien, un joueur de sarod et d'esraj, un trompettiste adepte de jazz et de fanfares d'Europe de l'Est et un bassiste issu de la scène électro-expérimentale, Jugal Bandi croise jazz, ragas indiens et swing africain dans un jeu à saute-mouton par dessus les continents. Des musiciens qui inventent un nouveau genre musical inédit et revendiquent à leur manière la jolie notion de multiculturalisme.

http://www.jugal-bandi.com

L'Avant-garde de la musique des Alpes suisses

Théâtre de Verdure à 20h30

Stimmhorn
Christian ZEHNDER : voix, chant diphonique,
Balthasar STREIFF : cor des Alpes double, yodle, accordéon suspendu, bandonéon, alpophone, büchel, cornet, trompette baroque, bandurria, tuyaux d'orgue tuba, corne de chèvre, voix

Attention curiosité ! Depuis 1997, ce duo fascinant évolue sur la plus haute ligne de crêtes de l'Helvétie, tant que de leurs hauteurs, on imagine sans peine des paysages d'Australie ou de Mongolie. Fi du folklore et du chant des coucous, nos bâlois jettent des ponts entre les sonorités traditionnelles du pays de Guillaume Tell et un univers plus expérimental ; inventant un genre musical tout à fait inédit, subtil mariage de la voix et du vent. Le Cor des Alpes et le yodle, chant traditionnel des bergers, y rencontrent le chant diphonique : technique vocale donnant l'impression d'une polyphonie en rendant audibles certaines harmoniques d'une note. Inspirées, intimistes, humoristiques, méditatives, leurs créations ont accompagné des musiques de scène ou des répertoires électroniques.

http://www.stimmhorn.ch/

Duo du G.I.R.O.L

Théâtre de Verdure à 22h

André Minvielle et Marc Perrone
André MINVIELLE : chanteur duotonique, porte-voix, batterie maigre, trompette de l'est, percussion, sampleur
Marc PERRONE : accordéon diatonique

Batteur, scatteur, rappeur, rime-ailleurs qui bouscule les mots et les conventions, André Minvielle est sans doute une des plus jolies surprises de la scène française de ces dernières années.De jazz en java, de mémoire gasconne en musiques pygmées, ce grand pourfendeur de mots saisit l'air du temps avec un incomparable sens de la langue et de l'improvisation. Du blues au patois, de la gaieté au déchirement, ce troubadour vocalchimiste, jazzcogne, valse, virevolte, chaloupe, s'encanaille. Il explore les langues et les accents, et réinvente, avec un sens peu commun du direct, l'expression des traditions populaires ou savantes.

http://www.larticole.org/

Invitation au bal

Théâtre de Verdure à 23h30

TOPANGA!
Éric MONTBEL : cornemuses
Laurence CHARRIER : harmonium
Bruno LE TRON : accordéon

Joueur de cornemuse et de flûtes, compositeur, ethnomusicologue, membre de fameuses formations (Le Grand Rouge, Lo Jaï, Ulysse) sollicité par de nombreux artistes (Jean Paul Goude, Rosina de Peire,Nilda Fernandez, Indochine,Khaled...), Éric Montbel s'est fait remarquer ces dernières années par plusieurs créations (Le Jardin de l'Ange, Le Jardin des Mystères, La Charmeuse de Serpents). Il nous revient avec un trio d'anches original pour un bal, sa première passion. Avec lui, Bruno Le Tron, accordéoniste au riche pedigree (Mandragore, Tourne-Cul, La Compagnie du beau temps, Maubuissons, Le Vrai trio, Bopiano) et Laurence Charrier qui a beaucoup fait pour désacraliser l'harmonium d'église et lui faire retrouver le chemin des bourrées, valses, rondeaux, cercles et autres mazurkas.

http://ulysse.ange.free.fr

Dimanche 27 mai 2007

 

Un dimanche à la Roquette

Parc de la Roquette à 14h

Présentation des ateliers de musiques traditionnelles et de musques du monde des écoles de musique

Dès 14H00 et pour la première fois, les Joutes présentent un plateau qui reflète le dynamisme de la transmission des musiques traditionnelles et musiques du monde dans les écoles de musique de la Région, ainsi qu'à l'Université de Provence (département de musicologie). Plusieurs artistes-enseignants viennent présenter le travail de leurs élèves et débattre de leur pédagogie.

Isabelle COURROY : dirige l'atelier de kaval (flûte pastorale des Balkans) et de musique d'ensemble des Balkans de l'école de musique municipale d'Apt.

Fouad DIDI : enseigne le violon, l'oud et la musique arabo-andalouse au Cnr (Conservatoire national de région) de Toulon-Provence-Méditerranée et à la Cité de la Musique de Marseille.

Jean-Pierre ESTÈBE : enseigne l'accordéon diatonique à l'école intercommunale de musique, danse et théâtre du Haut-Var et à l'association Rivatge.

Éric MONTBEL : enseigne les cornemuses et les flûtes à l'atelier des musiques du monde de l'Université de Provence (musicologie) et à l'Atelier des musiques du monde de la Cité de la musique de Marseille.

Jean-Louis TODISCO : (galoubet-tambourin, accordéon) est responsable de l'atelier des musiques du monde à l'école de musique de Brignoles.

Canta canta neneton - conte musical pour enfant

La Fraternelle à 15h

Alba Canta
Marie-Josée FAGES LHUBAC : chant
Eléonore JOURDAN : chant
Brigitte BRÈS : chant
Brigitte APAP FONDA : chant
Jean-Michel LHUBAC : poly-instruments

Ce conte musical, suivi d'un petit bal, met en scène pour les enfants, les chants et jeux gestuels du chansonnier Canta Canta Neneton. Associé au poly-instrumentiste Jean-Michel Lhubac, les chanteuses du groupe Alba Canta replongent l'enfant au cœur d'un savoir gestuel et vocal millénaire autrefois transmis par les nourrices.

Les deux livres-disques du Chansonnier totémique languedocien,Canta, canta neneton ! et Lo Resson de la Péira (Éditions Modal), coordonnés par Marie-José Fages-Lhubac, Josiane Ubaud et Jean-Michel Lhubac, sont un trésor de mots, de sons, de gestes associés, de supports d'apprentissage, testés par quinze années de pédagogie active, et une réhabilitation de chants occitans de la petite enfance, trop souvent jugés dépourvus de sens, alors même qu'ils servaient à sa construction physique, psychique et affective. À l'issue du concert, les auteurs viendront parler de ce travail qui concerne particulièrement le milieu enseignant.

http://www.auboi.net

De la monodie à la polyphonie

Église à 15h

Évelyne Girardon & Trad Arrgt
Évelyne GIRARDON : chant
Barbara TROJANI : chant
Marie-Pierre VILLERMAUX : chant

Chanter les chansons de tradition populaire en français est un défi artistique que le trio Trad Arrgt a choisi de relever. Rien d'étonnant à cela lorsque l'on connaît le parcours d'Évelyne Girardon (La Bamboche, La Kinkerne, La Cie du Beau Temps, Roulez Fillettes, etc.), pionnière de la valorisation des chansons traditionnelles du domaine français. Grâce à un important travail d'arrangement, une pratique maîtrisée des techniques vocales, un jeu d'improvisation, elle transforme avec ses complices des monodies issues des collectages de Julien Tiersot, Achille Millien, Barbillat et Touraine, en une écriture polyphonique pleine d'imaginaires, d'émotion et de sensibilité.

ATELIERS À L'ÉCOLE
La chanson populaire française | SAM 26 MAI DE 14H À 15H30

http://www.ciebeline.com/

Un provençal au château

La Fraternelle à 17h

Cie Montanaro
Miquèu MONTANARO : galoubet-tambourin, cordes frottée
Sylvie BONET : violon
Manuel CARTIGNY : violoncelle
Antonia COSTE : alto
Lætitia Marie SCHIAVO : violon
Patrice SERRUS : contrebasse
György LASZLO : vidéo

Cette œuvre est une commande du prestigieux festival Autumn Strings qui a pour cadre le Château de Prague en République Tchèque. En provoquant une rencontre entre des interprètes classiques et un tambourinaire, Miquèu Montanaro souhaitait ouvrir une nouvelle voie à l'instrument fétiche de la Provence. La composition musicale se partage en trois parties superposées : galoubet-tambourin, contrebasse et quatuor à cordes, qui agissent comme trois voix d'orchestre. Cette mise en son est doublée d'une mise en image donnée pour la première fois en France. À cet effet, sept petits films ont été tournés dans le Château de Prague, tenant compte de la construction musicale, qui mettent en valeur ses éléments futuristes imaginés par l'architecte Plecnik, sollicité au début du XXe siècle par le président Masaryk pour le rénover.

À l'issue du spectacle : signature du livre "Le vélo dans les arbres", co-écrit par Miquèu Montanaro et Réka Fekete (éditions Paroles, collection Biface).

http://www.compagnie-montanaro.com/

Table Ronde

Parc de la Roquette à 17h

Enseignement et transmission des musiques traditionnelles et du monde

Table ronde animée par Caroline Bourgine, responsable de l'émission « Equinoxe » à France Culture.

Scènes ouvertes

Place du village à 17h & 19h

Uskùl

Provocateurs d'attentats sonores, depuis quelques mois ils sévissent dans la région, répandant la joie et la bonne humeur de leur musique folklorique acoustique d'Europe partout où ils passent.
contact : uskulegroupe@free.fr

 http://uskulegroupe.free.fr/

Musique pour des faiseurs d'images

La Fraternelle à 18h30

Alain Bruel, Gilles Chabenat et François Thuillier
Alain BRUEL : accordéon
Gilles CHABENAT : vielle à roue électroacoustique
François THUILLIER : tuba

Qu'ont en commun Béla Bartók, Jean Giono, Olivier Messiaen, Milan Kundera, Bernard Lubat, Salman Rusdhie ou Boèce, auteur de Consolations de la philosophie, l'un des plus beaux textes philosophiques : d'avoir entretenu une relation particulière à la musique et d'avoir imaginé à travers elle leur rapport à l'universel, sans jamais oublier le substrat anthropologique constitutif de leur cheminement intellectuel. C'est cet ici et ailleurs qu'évoque cette création de trois « pointures » musicales, musiciens qui par delà des registres dissemblables, ont en commun d'être restés fidèles à l'esprit d'une matrice populaire, rurale ou urbaine qui ne cesse de prouver sa fécondité.

Venimos a ver

Théâtre de verdure à 19h30

Cie Rassegna
Bruno ALLARY : guitare et direction artistique
YARMEN : chant flamenco
Fouad DIDI : chant et violon arabo-andalou
Césare MATTINA : chant d'Italie du Sud
Maxime MERLANDI : chant corse
Georges MAS : chant grec et clarinette
Philippe GUIRAUD : basse
Tony GRISOSTOMI : percussions
Renaud GARCIA-FONS : conseiller artistique

La compagnie Rassegna invente un carrefour pour des chanteurs habituellement solistes venant des rives de la Méditerranée. Sous la direction de Bruno Allary, elle accomplit des travaux de recherche, d'arrangement et de composition. Pour cette création, le compositeur et contrebassiste Renaud Garcia-Fons, proche de la tradition du flamenco, des musiques orientales et du jazz (on l'a vu jouer avec Claude Barthelemy, Michel Portal, Rabih Abou-Khalil, Steve Swallow, Louis Sclavis ...) a été sollicité comme conseiller artistique. Au menu : chants d'amour, de noces, de prisonniers... couleurs d'Espagne, de cabarets napolitains ou oranais, romances sépharades ou airs à danser de Thrace.

http://rassegna.free.fr/

En avant Balèti!

Théâtre de verdure à 21h

Spi & la Gaudriole
Jean-Michel POISSON dit SPI : chant, harmonica, guimbarde
Bruno PRIEZ : vielle grinçante, sauvage et indomptable
Michel DOMINGUEZ : guitare
Isabelle GARCIA : flaviol fou, gralla et tarota
Rodolphe GIRALDI : tambour tribal

Après la saga d'O.T.H (1977/1991),combo mythique du rock indépendant et celle des Naufragés (1986/2003), précurseur du rock celtique, Jean-Michel Poisson, alias Spi, a retrouvé la flamme. Elle se cachait dans des mélodies indémodables et dans l'ethnotranse de fêtes et bals dont la sève coulait depuis des temps moyenâgeux. Le groupe La Gaudriole était né conduit par la vielle de l'Ardéchois Bruno Priez, émérite luthier de l'accordéon. L'imagination de Spi renoue avec le fil d'une tradition de danse un peu trop figée par certains folkloristes. Ce répertoire de polkas, mazurkas, valses, scottishs, cercles, rondeaux, bourrées et autres gavottes, devant tout à la fois affirmer sa force intrinsèque et son actualité avec des mots d'aujourd'hui.

http://www.amirale.com

Rencontres virtuelles sur la route de la soie

La Fraternelle à 22h30

Sisygambis
Christine COULANGE : composition & vidéo
Nchan MANOYAN : composition & vidéo

Compositeurs et vidéastes, Christine Coulange et Nchan Manoyan ont imaginé Sisygambis (du nom d'une reine perse) après la chute du Mur de Berlin, au contact d'artistes tchèques, russes, polonais. Collecte de sons en terre étrangère et traitement sonore vont définir leur identité artistique : proposer une écoute du monde, une expérience visuelle et sonore en prise avec l'intensité du réel. Le projet de La Route de la Soie les a conduit, six mois durant, de Marseille à Shanghaï. Loin du zapping occidental, ils ont recueilli témoignages et visions et ont imaginé ce concert-installation tout imprégné des chants, des regards, des poussières, de Peshawar, de Lijiang, du désert du Taklamakan ou de la ville-oasis de Kashga. Sisygambis a obtenu en 1995 le Prix Möbius France de la Création Multimédia.

http://www.sisygambis.org/

9^ème édition / Musiques migrantes et innovantes

^{21000 Dijon}

Mercredi 30 MAI 2007

« Black Voices & New Poets »

(jazz, hip hop, soul, slam)

18h00 - Atheneum - Gratuit
(Campus universitaire) 1, esplanade Erasme

Slam Session (inscription au 03 80 28 80 42)

20h30 - Atheneum - 13 / 10* / 5,5** €
atheneum.u-bourgogne.fr

Denis Colin Trio PRESENTS Gwen Matthews (USA - France)

Anthony Joseph & The Spasm Band (UK)

Jamika (USA - France)

Jeudi 31 MAI 2007

« Afrobeat Magic Pulse »

(jazz, afrobeat, hip hop)

18h00 - Place Emile Zola - Gratuit

Apéro Mandingue AVEC Kiko

20h30 - La Vapeur - 13 / 10* / 5,5** €
42, av. de Stalingrad
www.lavapeur.com

Antibalas (USA)

Tumi & The Volume (Afrique du Sud)

CRÉATION Le Tigre des Platanes FEATURING Etenesh Wassie (Ethiopie - France)

Dj Manu Boubli (France)

Vendredi 1^er JUIN 2007

(rock, musique expérimentale, drum’n bass, hip hop)

18h00 - Galerie des Trois Pignons - Gratuit
5, rue Chaudronnerie

Tara Fuki (République tchèque)

21h00 - La Vapeur - 13 / 10* / 5,5** €

Uz Jsme Doma (République tchèque)

Metamorphosis (République tchèque - Autriche)

CRÉATION Projet Carré FEATURING Idea Fatte & Dj Aka - 
PRAGUE DIJON CONNECTION (République Tchèque - France)

* Tarifs Réduits : Étudiants, chômeurs, RMIstes |
** Carte Culture étudiant

Samedi 2 JUIN 2007

« Made in Maroc »

(musique traditionnelle, électro, vidéo)

14h00 - Boutique Harmonia Mundi - Gratuit
22-24, rue Piron

Rencontre AVEC Chérifa et Aïcha Redouane

18h00 - Déambulation centre ville,
départ Place F. Rude - Gratuit

Afrah (Maroc)

20h00 - Auditorium - 20 / 7* / 5,5** €
11, bd de Verdun
www.ledudodijon.com

Chérifa (Maroc)

Aïcha Redouane (Maroc)

23h00 - Bar de l’Auditorium - 5 € /
Gratuit pour les spectateurs de Chérifa et Aïcha Redouane

CRÉATION Naab & Zayan Freeman (Maroc - France)

Dj Click Labesse Party (France)

Dimanche 3 JUIN 2007

« Parcours Emouvance »

(jazz, musiques improvisées)

PASS Journée : Se renseigner au 03.80.28.80.42

11h00 - Galerie des Trois Pignons - 3 €
5, rue Chaudronnerie

Daunik Lazro solo (France)

14h00 - Hall du Parvis St-Jean - 3 €
Rue Danton
www.tdb-cdn.com

Araïk Bartikian solo (Arménie)

16h00 - Maison Rhénanie Palatinat - 3 €
29, rue Buffon
www.maison-rhenanie-palatinat.org

Philippe Deschepper solo (France)

Festival Agora Utopia – Exotica 2007

6 au 24 juin 2007

Installation :
Pierre Mansire « Enluminures »,
visible 30mn avant chaque concert

Tarifs : 1 concert : 13 €, tr : 11 €. 2 concerts : 22€.
Pass 3 concerts : 24 €

Réservations : 01 48 03 11 09 ou reservation-je@crl10.net

Lundi 23 juillet 2007 à 18h

Live electronic

Pierre Charvet :
And death, pour alto et électronique
Sébastien Lévy, alto

En art et en musique en particulier, j’ai toujours pensé qu’il était plus facile d’être grave que léger.
Comme son titre l’indique And death est pourtant une pièce grave. Vladimir Nabokov, qui est le créateur non musicien qui a sans doute le plus contribué à former mon goût et ma manière de penser, était génialement doué pour le bonheur. À la question « qu’est-ce qui vous surprend dans la vie ? », il avait répondu : « le prodige de la conscience, cette fenêtre qui s’ouvre brusquement sur un paysage ensoleillé au milieu de la nuit du non-être ». (*) Comme je suis encore loin d’avoir atteint la sérénité du grand Vladimir, And death est une pièce sur les horreurs et tourments de la conscience et de la nuit du non être. Son titre est emprunté aux premiers mots du poème de Dylan Thomas : « And death shall have no dominion ».

 (*) : la v.o. est plus élégante, car la forme y magnifie le fond : « the marvel of consciousness, that sudden window swinging open on a sunlit landscape amidst the night of non being ».

Arnaud Rebotini : 
Grind,  pour batterie et électronique
Fabrice Moreau, batterie

Le titre de la pièce renvoie à un sous-style du rock (le grind-core) qui poussait le concept du hard-core (vite et fort) à son paroxysme, cela pouvait aller jusqu’à l’exécution de micro-morceaux dont la durée n’excédait pas une à deux secondes.
Grind est un jeu avec les topos du rock industriel, du death metal, et autre courant extrême du rock.
Ces éléments sont traités comme des « objets sonores » se confrontant ou se fondant à un univers électronique abstrait.
Les effets de masse sonore, de dynamique, et de rupture seront notre champ d’investigation.

Gilles Racot :
Ipso, pour clarinette et électronique
Claude Crousier, clarinette

(Ipso : en latin « cela même »)
Les parties électroacoustiques ont toutes pour origine exclusivement des sons de clarinettes (clarinettes si b et basse) d’après des séquences écrites pour l’instrument (jouées par Claude Crousier), et enregistrées en vue des traitements numériques.
La confrontation des sons métamorphosés de la clarinette avec la clarinette elle-même en situation de concert, explique l’intitulé du titre de la pièce.
L’intégralité de la trajectoire de l’œuvre expose l’instrument soliste comme “chant” central des tissus d’écritures. Tissus changeant, explorant les registres par pans larges et polyphoniques ou serrés et tendus, évoluant souvent progressivement par inductions, parfois par variations très rapides, jusqu’aux oppositions ou mutations d’animations rythmiques et serrées de textures.
Le chant de la clarinette suit un chemin privilégié dans le réseau des fils du tissu sonore, et en accuse toutes les mutations et la force des articulations.
Les deux tendances d’écritures induisent deux natures d’écoutes et de perceptions du temps : l’une contemplative avec un écoulement lisse des instants et l’autre sur-active avec l’exercice de l’énergie modulée d’instabilité et de frénésie.
Production : en résidence dans les studios du CIRM

Luis Naon : 
Diabolus urbanus », pour alto et électronique
Cyprien Busolini, alto

Cette pièce est la 15ème du cycle Urbana*, et la première d'un quatuor de pièces solistes avec des sons fixés ou de l'électronique live (les trois autres font appel au saxophone, à la clarinette et au hautbois).
Dans cette pièce je me propose de toucher des extrêmes. Le cadre y est pour beaucoup, il constitue une contrainte forte, tant formelle que substantielle de l'œuvre : la solitude réelle d'un musicien face à son public, épaulé par des sons dont il est le dépositaire artistique et l'interlocuteur privilégié.
Dans toute pièce mixte, nous avons cet incontournable couple perceptif: la présence et l'absence, un imaginaire double. En ce qui concerne les sons fixés – où l'interprétation est réduite à l'espace de projection – nous espérons entendre le compositeur lui-même, sans intermédiaire, alors que l'interprète nous livre, simultanément, son propre vécu de l'œuvre ; il devient pour le spectateur sa propre image, son héros d'un quart d'heure.
Le public, complice de cet état des choses se situe entre les deux : entre la peau et le vêtement, entre le cadre et la toile, entre la scène et les acteurs, entre le scénario et la caméra. Pris dans le piège de l'observation, une observation qui ne peut que devenir subversion, à l'intérieur de l'énergie et du mouvement, il devient l'acteur de l'événement.
Dans un cadre où les forces sont essentiellement sonores, l'œuvre peut avoir lieu à condition que le public attrape, hors champ, une réalité, la musique, dont on ignore l'ultime voyage.

* dans le cycle Urbana, les dénominateurs communs sont l'espace et la ville, sous des aspects différents. Le but du cycle est d'investir un jour notre espace quotidien.
Les autres buts sont, dans le désordre : écrire sans cohésion pendant quelques années ; ne pas finir une œuvre, mais réaliser des fragments ; casser le cadre, petit et souvent insatisfaisant, de l'œuvre classique symbole de reconnaissance et source d'absurde admiration ; construire un univers dont les parties soient interchangeables et soumises, plus tard, à de nouvelles lois ; participer par mon travail au monde créatif d'autres artistes ; soumettre et remanier ces matières dans d'autres cadres où l'individualité est mise au service d'un groupe (metteur en scène, écrivain, vidéaste, chorégraphe, plasticien) ; bâtir une utopie.

Mardi 24 juillet 2007 à 18h

Akousma

Bernard Parmegiani

La Roue Ferris 1971

" Cette pièce envoûtante et efficace, mécanique et organique, est sans doute l'apogée de la manière répétitive du compositeur ; ce qui signifie chez lui la tentative de capturer un "instant perpétuel". La Roue Ferris est le nom que donnent les mexicains à un cercle garni de feux d'artifices qui tourne et s'envole en se consumant. Machine sauvage et folle, elle symbolise le mouvement du temps qui s'éternise et s'abolit par des répétitions cycliques."
(Régis Renouard Larivière in Portrait Polychrome - Bernard Parmegiani )

" La roue tourne encore, confondue avec sa propre résonance dont elle entretient, avec acharnement, les variations. Elle ne fait qu'esquisser un mouvement régulièrement évolutif autour d'un axe constant. Chacun de ses tours entraîne des épaisseurs sonores dont les couches successives s'interpénètrent et jouent en des entrelacs très fluides, se métamorphosent en fils sonores qui évoquent les nuages légers, habités par les cris des martinets tournoyant lorsque l'air est chaud ; le merveilleux naît et meurt, nous laissant l'illusion de la durée." B.P.

Entre-temps 1992

Entre-temps débute par l'image la plus symbolique mais aussi la plus illusoire de l'écoulement au ralenti de la durée; à savoir la décélération du tic-tac d'une pendule. Dans les interstices, laissées libres entre ces évènements ponctuels, des échappées sonores apparaissent, pareilles aux images souvenirs d'un quotidien proche ou lointain. Images brumeuses souvent, comme celles qu'offre la mémoire lorsqu'on cherche à s'évader d'une réalité présente, trop banale.
Par opposition, dans le deuxième mouvement, le jeu d'un corps sonore en continuels rebondissements fixe l'attention sur l'immédiat, malgré les silences qui séparent les figures et les trajectoires. Leur continuelle variation ne laisse plus le loisir d'échapper à l'évolution en cours. Chaque silence devient attente, l'entre-temps désormais semble dissolu.
Un contrepoint apparaît alors pour diversifier ce jeu, une sorte de divertissement de la part des corps sonores à la dérive. Plus loin apparaissent de nouveaux écarts de sinuosités harmoniques, exclues dans un hors temps, dilatées et lentes à se mouvoir, extraites un moment de leur contexte avant d'y être réintégrées sous forme d'un contrepoint rythmique. Un jeu où les différents éléments se mêlent, se combinent et tentent de conjuguer les instants avec les entre-temps… finalement déterminants dans le déroulement ininterrompu, incompressible et irréversible du temps.

Cette pièce a reçu le Grand Prix International : « Golden Nica »- Ars Electronica en 1993

Francis Dhomont : Un autre Printemps
pour le film Mein Kino für die Ohren de Uli Aumüller (2000 - 6’)

à Uli A. et Antonio V.

Cette musique d’application comportait ses propres règles, différentes de celles d’une œuvre libre. Un autre Printemps fait bien sûr écho au célèbre concerto de Vivaldi, véritable fil rouge du film de Uli Aumüller, mais il le détourne, l’altère, le recycle. La place importante accordée aux mouvements de l’eau et à ses mutations correspond à la métaphore printanière du jaillissement, si présente à l’image. Mais ici le son de la Nature interroge la nature du son; les éléments figuratifs et référentiels du début glissent progressivement vers l’abstraction, grâce aux traitements qui en travestissent l’origine. Pour conclure, le son retournera au sens.

Cette façon de chercher dans le sonore la beauté qu’il contient pour l’organiser en structures me rappelle l’époque où, pour gagner ma vie, je sculptais le bois en m’inspirant de ses formes naturelles. Dans les deux cas j’ai tenté de réconcilier la volonté et le hasard, le perçu et le conçu, la nature et l’artifice.

Remerciements à Jean René, altiste, pour quelques robustes matériologies.

À propos de K  Automne 2006 - 22:00

Les œuvres d'envergure comme ...mourir un peu, Sous le regard d'un soleil noir ou Forêt profonde, me demandent toujours une longue période de réflexion (des années parfois) et de nombreuses ébauches.
À propos de K, où il est évidemment question de Kafka, est l'une de ces recherches préliminaires pour Le cri du Choucas, un long travail en cours sur l'univers et la personnalité de cet auteur. D'autres études existent déjà, comme Brief an den Vater — sur le texte en allemand de la Lettre au père — créée au ZKM de Karlsruhe en 2005, ou Premières traces du Choucas qui a été récemment présentée à Bruxelles et à Montréal en création.

Kavka est le nom tchèque du choucas, sorte de corbeau, dont l'effigie servait d'enseigne au magasin de Hermann Kafka, père de Franz. La symbolique animale, très présente chez Kafka, m'a suggéré ce rapprochement et ce titre pour ce troisième volet de mon Cycle des profondeurs : cri profond, solitaire, jamais emphatique et souvent étouffé, qui se fait entendre dans chaque roman de Kafka, dans chaque récit, fût-il fragmentaire. Quant au C majuscule attribué dans mon titre au mot choucas, il confirme qu'il s'agit ici d'un nom propre.

Dans cet À propos, pas encore de texte mais une recherche sonore et une approche impressionniste des thématiques kafkaïennes guidées par les écrits de Marthe Robert ; celles concernant l'écrivain — la culpabilité, le père, l'ascétisme, la solitude, la maladie — qui se confondent souvent avec celles de l'œuvre — les dédoublements, la Loi, la judéité, le célibat — et avec l'écriture elle-même profondément marquée par les mécanismes qui contribuent à l'élaboration du rêve : « Le talent que j'ai pour décrire ma vie intérieure, vie qui s'apparente au rêve - note Kafka - a fait tomber tout le reste dans l'accessoire (...) ». Kafka, Journal, p. 385.

Mercredi 25 juillet 2007 à 18h

  Électronique

Pascal Baltazar : Pyrogenesis, pour instrument électroacoustique

Je sens entre mon activité et celle du forgeron de profondes analogies.
D’abord, le geste, par lequel l’artisan modèle la matière de façon continue : frappant, chauffant, tordant, trempant les métaux pour leur imprimer progressivement une forme.
Ensuite, l’outil : Tout comme le forgeron se fabrique ses propres outils, depuis plusieurs années, je travaille à la facture de mon instrument électroacoustique.
Un instrument pour écrire le son, dans l’espace et avec le geste. Enfin, la construction organique de la forme, dont parle Gilles Deleuze : « Pourquoi est-ce que le forgeron est musicien ? Ce n’est pas simplement parce que la forge fait du bruit, c’est parce que la musique et la métallurgie se trouvent hantées par le même problème : à savoir que la métallurgie met la matière dans l’état de la variation continue de même que la musique est hantée par mettre le son en état de variation continue et instaurer dans le monde sonore un développement continu de la forme et une variation continue de la matière. » 
Ainsi, dans Pyrogenesis, des matériaux bruts sont mis en jeu dans des processus de transformation : fusion, condensation, solidification, sublimation... Le geste instrumental intervient constamment pour animer les matières, les agréger, y introduire du désordre, ou au contraire les canaliser. La main presse et tire, pousse et retient. Le corps sculpte l’espace. La composition interroge, de manière plus générale, le fantasme démiurgique de l’homme et les divers moyens qu’il s’est donné pour transformer la matière - de l’enclume à la sidérurgie jusqu’à la fission nucléaire : point ultime de cette entreprise, où la matière se brise de l’intérieur et menace de destruction

Erikm : Générer / dégénérer, pour platines et traitements

« Deux platines vinyles + une console de Mix + électronique + 20 vinyles issus de l’industrie du disque (musique savante et populaire), ainsi que mes disques personnels prévus à cet effet.
Ce travail a été entamé en 1992 sur la « générescence » et la dégénérescence du corps sonore (synthèse sonore) à partir d’un son ou d’une musique préexistante fixée sur disques vinyles.
Les premières recherches ont débuté sur la base d’un détournement de musiques préexistantes, collages ... mais également à partir des moyens de diffusion comme des platines vinyles domestiques ou tout autre objet générant du son ...
Les concerts sont essentiellement basés sur l’accident dont le but est de créer des matières sonores, et doivent être au mieux, les plus éloignés possibles de mes schémas de pensée et de composition. Ce processus « d’accident » amenant tout naturellement des mécanismes de composition également autres, et en temps réel.
Cette pratique a été également déclinée dans mes projets purement électroniques, ainsi que dans les arts visuels et la vidéo ».

Christian Fennesz : Performance pour laptop et guitare électrique. 2007

Chaque concert de Christian Fennesz est unique car son univers sonore est sans cesse changeant. Ses outils de prédilection : l’ordinateur et la guitare électrique qu’il associe intimement pour créer des structures où se mêlent des parfums de nostalgie et une lecture très actuelle du monde moderne, avec ses brouillages, ses parasites et ses incertitudes.

Jeudi 26 juillet 2007 à 18h

Akousma en multiphonies

Alejandro Vinao : The world we know 2004

Dans cette pièce, je me suis attaché à explorer des clichés musicaux issus de traditions aussi différentes que la musique classique, l’électroacoustique et la musique populaire. Aujourd’hui les clichés musicaux les plus répandus sont sans doute les rythmes du rap et du hip hop que l’on peut aussi bien entendre dans des émissions de télévision, que diffusés par nos autoradios, ou dans les centre commerciaux et les supermarchés, et bien sûr dans les clubs et les foyers privés. C’est ce constat qui m’a poussé à choisir comme thème central de ma pièce un extrait de rythme fondamental hip hop créé par un drum kit et une basse. Ce rythme de base constitue le centre de gravité, le point de référence à partir duquel et par lequel « le monde » est perçu, y compris d’autres clichés musicaux plus anciens ou actuels.

Au début du morceau, les sons « concrets » du monde tel qu’il est s’organisent en un rythme hip hop. Ce rythme peut aussi se trouver transformé par les sons issus de l’environnement sonore concret.
Dans la seconde moitié de la pièce, je n’ai pu résister à la tentation de soumettre les différents sons et schémas de ce rythme hip hop à un procédé de « Nancarrowisation », les déconstruisant suivant les théories de Colon Nancarrow sur les tempi multiples et simultanés et les modèles rythmiques irrationnels. Les théories musicales de ce compositeur ont énormément influencé ma manière de composer et de penser le temps et le rythme.

Pour la première fois j’ai choisi, pour composer The World we know , des sons que je trouve d’emblée séduisants mais aussi d’autres que je trouve laids et dont j’abhorre le timbre ou la résonance.
J’ai essayé de recréer et mettre en relation le laid et le beau, le cliché et l’inattendu, dans un contexte inhabituel et parfois drôle – du moins je l’espère- de sorte que leur présence ne soit pas envahissante mais devienne intéressante sur le plan musical.

François Donato : The lights of B 2004

Il y a des moments où les mots ne peuvent rien pour transmettre ce que l’on a à donner. C’est le cas entre deux êtres qui s’aiment, non que l’intensité où la force des sentiments inhibent la verbalisation, mais parce que le langage n’est pas toujours en mesure de contenir à la fois le concept et l’émotion fondamentale qui jaillit bien en deçà. Dans cette situation, un cri, des larmes, un désir charnel instantané, une caresse d’une lenteur et d’une douceur extrêmes, une œuvre musicale (la liste n’est pas exhaustive) peuvent être le bon vecteur. Et si tout concorde, l’intensité de l’émotion avec la durée d’un geste, la simplicité d’un regard avec la pureté des sentiments, on se sent peut-être ébloui au fond de soi, nourri d’une lumière impalpable. C’est finalement ce à quoi se confronte un compositeur (peut-être tous les créateurs) tout au long d’un travail : trouver le bon vecteur, l’événement sonore, la justesse d’une durée, pour transmettre à ceux qui vont l’écouter une partie au moins de l’émotion indicible d’où émerge son désir de création. Et parfois, on aimerait avoir réussi suffisamment pour pouvoir se taire.

Diego Losa : Cronicas del tiempo 2004

Après Ciudad, première commande du GRM et évocation d’un voyage inachevé, cette pièce est une transcription acoustique de souvenirs, du passé, du présent et du futur dans l’histoire d’un voyageur. La musique livre les images mentales d’un individu en surimpression de la mémoire collective d’un pays. La pièce composée et diffusée en multicanal (5.1) est un travail sur l’inconscient, une réflexion sur les sensations à partir de sons originaux de la ville de Buenos Aires enregistrés à différentes époques (1980-1996) puis transformés avec les GRM Tools.

Daniel Teruggi : Spaces of mind (Les Espaces de l’esprit) 2004

Nous avons chacun notre propre perception de l’espace ; c’est un concept ouvert, avec des significations différentes en fonction des situations. La physique, l’astronomie, la poésie, ou simplement la vie de tous les jours, proposent une interprétation particulière et lui appliquent des lois différentes. Définir ce concept est une tâche difficile ; nous pouvons toutefois dire que l’espace est quelque chose autour de nous qui peut, ou pas, avoir des limites, toujours fortement lié à la dimension temporelle, et dans lequel nous nous déplaçons et agissons.
L’espace musical est multiple : position des sources instrumentales, diffusion du son dans une salle, perception poétique de la musique. Pour la musique électroacoustique, et plus particulièrement acousmatique, le contexte précise les définitions.
Les sons sont organisés dans un espace en fonction du support de composition : gauche/droite au minimum, ou dans des positions beaucoup plus complexes si la musique est composée pour un support multipiste. Le fait d’écouter un son produit par une source invisible (l’essence de l’acousmatique), produit une perception spatiale car nous créons une image du son dans notre esprit, reliant ses dimensions temporelles et spatiales à notre perception propre. Enfin, la situation de concert, dans une salle particulière et sur un dispositif complexe de haut-parleurs génère également une part d’effets non voulus, (réverbération, absorption de certaines fréquences, échos, trous brillants et opaques), le tout compliquant la tâche d’écoute, mais donnant vie à la musique.

À ces trois approches de l’espace (les sons eux-mêmes, les sons dans l’œuvre, l’espace dans lequel les sons évoluent au moment de l’écoute), j’ajoute un quatrième niveau, lequel fait appel à nos émotions et impressions, dans lequel nous inventons des mondes à travers notre imaginaire.

Spaces of Mind (Espaces de l’esprit) concilie tous ces mondes, fortement suggérés par l’organisation spatiale des sons. Il ne s’agit pas de « L’origine des espaces » ou d’« Études sur l’espace » , mais d’organisations de l’espace produisant des visions dans notre esprit, une expérimentation du mouvement, de la multiplicité des sources, les positions discrètes ou l’immersion totale dans l’espace des sons.

Vendredi 27 juillet 2007 à 18h

Concert vidéo

From Ivry : film et musique d’Andrea Liberovici (2005) avec la participation d’Ivry Gitlis

J'ai connu Ivry Gitlis par hasard, dans un restaurant de Saint Germain des Prés.
Nous étions assis l'un à côté de l'autre et il me regardait.
Après quelques minutes il m'a demandé : « mais vous êtes compositeur ou metteur en scène ? » J'aurais voulu lui répondre: mais vous, qui êtes-vous ?
Un magicien, un agent de police ou bien un envoyé spécial de quelques divinités ?
Et c'est ainsi que commença notre amitié, une affinité élective captée dans l'air d'un restaurant par le sensible medium Ivry. Ceux qui connaissent un peu mon travail, savent que depuis une dizaine d'années (mais peut-être depuis toujours) je ne compose pas de musique "pure", (aussi, parce que je ne crois pas qu'elle existe), mais plutôt une musique appliquée aux langages comme la poésie, à la scène théâtrale (j'ai d'ailleurs fondé en Italie un groupe qui s'appelle, pas par hasard, "Théâtre du Son"), aux installations, et tout dernièrement à l’audiovisuel. C'est ainsi que je me suis transformé en compositeur-metteur en scène.
Lors de notre conversation au restaurant, Ivry m'a raconté que le compositeur Bruno Maderna lui avait dédicacé, dans les années 50, une œuvre pour violon solo intitulée "Pour Ivry". J'ai ainsi eu l'idée de réaliser une pièce issue de ses libres improvisations. Ainsi est née "From Ivry".
J'ai composé ce travail en même temps, et directement, pour musique et images (à la différence de mes travaux précédents). J'ai appris par mon maître d'élection Peter Greenaway, que les images, surtout en mouvement, suivent les mêmes "règles" de composition que la musique : elles sont rythme, timbre, harmonie, etc.
Dans mon cas, étant de formation davantage musicale que visuelle, chaque choix visuel naît directement du son : le son étant la mère, l'image le fils. De la session d'improvisations au violon, que Ivry est venu enregistrer à la Maison de la Radio, j'ai utilisé non seulement des fragments de violon mais aussi sa voix (chaque son utilisé dans "From Ivry" provient seulement de Ivry : il n'y a pas d'autres instruments ou voix).
La voix d'Ivry est en effet de timbre sombre et elle raconte incroyablement – peut-être même à son insu – sa zone "nocturne", plus intime.
J'ai ainsi pensé créer une dialectique contrapuntiste entre une espèce de "nuit-rêve" conduite par sa voix, et le grand instrument de la "représentation et de la lumière" (le son du violon joué avec la maestria qu'on connaît) ; les mains sont l'intermédiaire de cette dialectique entre "âme" et "instrument", "noir" et "lumière".
La durée de "From Ivry", je ne sais à cause de quelle étrange association mentale, a toujours été pour moi, et dès le premier instant, de 15 minutes. J'ai ainsi subdivisé la partie visuelle en dix chapitres, dédiant 90 secondes à chaque doigt des mains du violoniste.

Pendant la période de gestation et de création de cette pièce, j'ai eu le moyen de fréquenter et d'apprécier de plus en plus l'ami et le musicien Ivry. Je crois avoir travaillé à ce projet comme les portraitistes classiques, étant près de lui jour après jour, cherchant dans les détails apparemment insignifiants, les moments de vérité.
Je ne sais pas si j'ai réussi, mais l'émotion d'Ivry, quand il a entendu pour la première fois mon "portrait acoustique", est le souvenir le plus beau de tout ce surprenant projet, qui s'est matérialisé sur la toile du hasard, dans un restaurant italien de Saint Germain des Prés.

Espaces croisés : musique et images live de Mathieu Chamagne
commande du GMEA, avec le soutien de l’État 2006

C’est la rencontre entre un improvisateur/interprète et une pièce électroacoustique composée/décomposée en cellules autonomes, placés dans un espace de jeu à la fois virtuel et tangible. Dans cet espace mixte, interfaces gestuelles et modèles physiques se rejoignent et donnent naissance à une musique à la fois écrite, improvisée, et chaotique...
Espaces croisés est structuré en 3 parties, correspondant chacune à un « réservoir » de cellules choisies et à un espace de jeu distinct. Chacun de ces réservoirs est constitué d’un nombre donné de cellules qui ont chacune une durée de vie limitée, ainsi qu’un champ d’action et des possibilités de connexion et de modulation défini. À chacune de ces parties correspond, dans l’espace de jeu tangible, une sélection d’objets et d’actions mise à la disposition de l’interprète.
Une représentation graphique de l’espace de jeu virtuel est générée en temps réel et montrée à l’auditeur en discontinu, uniquement à des instants choisis, pour lui permettre d’appréhender simplement et visuellement le dispositif sans pour autant lui imposer en permanence une visualisation de la musique qui pourrait perturber l’écoute.

Monster 600 : film de Laurent Chanez sur une musique de Christian Zanési et Arnaud Rebotini

C’est après une rencontre avec Arnaud Rebotini d’abord, puis avec Christian Zanési, que Laurent Chanez a eu l’envie de produire et réaliser un film sur leur musique.
La musique a été composée au Grm quelques jours avant le tournage. Tout s’est fait en quelque sorte dans l’urgence et l’inspiration du moment. Le titre « Monster 600 » fait référence à la moto italienne du même nom ; matière sonore qui irrigue la pièce musicale. Au cœur de l’image, les mouvements d’une danseuse qui se découvre peu à peu...

www.fidf.fr

ÉDITO

La route du festival, cette année, a suivi celle d’un homme de paix que l’humanité reconnaît comme l’un de ses incontestables prophètes, le pasteur Martin Luther King Jr. De son discours historique du 28 août 1963, nous avons retenu son refrain scandé comme un coup de poing sur la table pour réveiller les consciences américaines assoupies sur l’injustice, la pauvreté et les souffrances du peuple noir. De multiples échos à sa vision d’un monde meilleur nous accompagnent avec la musique.

Nous remonterons ainsi aux sources de la culture afro-américaine, en Afrique, là où se sont forgés les premiers mythes, avec des récits et des épopées qui rappellent à l’Histoire la noblesse mandingue. En regard, les Africains d’aujourd’hui et leurs incroyables inventions contre la précarité quotidienne comme la récupération de tout objet susceptible de produire un nouvel art brut musical… Les stars aussi, fierté de tout un continent, sont saluées au Cirque d’Hiver et au Bataclan. Loin de Bamako ou de Saint-Louis du Sénégal, les Noirs du Nouveau Monde ont construit leur légende dans le blues, le jazz et les gospels. Dans le rêve d’un monde plus beau, ou simplement vivable, il y a le souvenir des Pères pèlerins fondateurs, venus d’Europe sur le Mayflower en 1620, des Acadiens francophones s’installant en Louisiane aux côtés des Irlandais, des esclaves noirs et >des Indiens. Et plus tard des Juifs, fuyant les pogromes, saluant New York comme la nouvelle Jérusalem avec dans leurs bagages les futurs hymnes des scènes américaines. Autant de rendez-vous que vous donne le festival dans ces lieux exceptionnels qui font son originalité francilienne ; comme cette année, la venue de l’Orchestre National d’Ile de France dans les usines Renault à Flins, avec un programme hommage à Martin Luther King, à qui seront également dédiées deux créations écrites sur les paroles du discours : « I had a dream » et « Lorraine Motel ». Autant d’occasions de poursuivre avec Factory, lors de conférences, de visites, de sensibilisations scolaires… l’histoire musicale des États-Unis et l’esprit du message, des idées du prédicateur. Véritable prophète comme les Sibylles de l’antiquité ou Jérémie qui livrait dans ses Lamentations toute la virulence et la radicalité de la parole divine mise en musique en d’autres temps.

Charlotte Latigrat

Directrice du Festival d’Île de France

ÉDITO Du 7 au 9 septembre, de l’aube à la nuit noire, les Accroches-Cœurs 2007 vont s’enflammer et illuminer la ville de mille feux : lampions, bougies, lumières ou pots de feu, avec le retour de la compagnie Carabosse qui avait enchanté la place du Ralliement en 2003. À côté de dizaines de spectacles qui allient découverte, magie ou rire, la force des Accroche-Cœurs repose aussi en grande partie sur l’ambiance toute particulière qui règne en ville durant ces trois jours. Du boulevard Foch à la cale de la Savatte, du château à la place de la Paix, nous allons, une fois encore, retrouver cette alchimie si particulière, ce plaisir de partager des émotions, de vivre ensemble dans la ville, en plein air, de spectacles en déambulations, de pique-nique en bal. Bonnes festivités 2007 ! Le Maire d’Angers

www.angers.fr/accrochecoeurs

La Cigale
120 bd Rochechouart, 75018 Paris ; métro Pigalle

Entrée 18 € (frais de réservation en sus)

Jeudi 20 septembre 2007 de 18h à 22h30 

Le Rex Club
5 bld Poissonnière, 75002 Paris ; métro Bonne-Nouvelle

Entrée 10 € (frais de réservation en sus)

Jeudi 20 septembre 2007 de 23h à 05h00

La Maroquinerie
23 rue Boyer, 75020 Paris ; métro Ménilmontant

Entrée 13 € (frais de réservation en sus)

Vendredi 21 septembre 2007 de 19h à 23h

La Flêche d'or
102^bis rue de Bagnolet, 75020 Paris ; métro Alexandre Dumas

Entrée libre

Vendredi 21 septembre 2007 de 23h à 05h00

Le Cabaret Sauvage
Parc de la Villette 
Accès piétons par le 59 bd Mac Donald, 75019 Paris
Métro : porte de la Villette (ligne 7)

Entrée 18 € (frais de réservation en sus)

Samedi 22 septembre 2007 de 20h à 05h00