20. FAQ.

B3-F. "Jazz en live, en collaboration avec Jazz-Passion" :

Présentation de musiciens

Fabulous Thunderbirds

Groupe

Formé a Austin par Kim Wilson en compagnie du fabuleux guitariste Jimmie Vaughan, The Fabulous Thunderbirds est actuellement une des formations de blues les plus excitantes du moment.
Kim Wilson, show man exceptionnel, chanteur, harmoniciste influencé par des musiciens comme Slim Harpo, Pee Wee Crayton entre autres a été nommé dans deux catégories aux prestigieux Blues Music Awards 2007!

The Fabulous Thunderbirds Biography:
With their fusion of blues, rock & roll, and R&B, the Fabulous Thunderbirds helped popularize roadhouse Texas blues with a mass audience in the '80s and, in the process, they helped kick-start a blues revival during the mid-'80s. During their heyday in the early '80s, they were the most popular attraction on the blues bar circuit, which eventually led to a breakthrough to the pop audience in 1986 with their fifth album, Tuff Enuff. The mass success didn't last too long, and founding member Jimmie Vaughan left in 1990, but the Fabulous Thunderbirds remained one of the most popular blues concert acts in America during the '90s.

Guitarist Jimmie Vaughan formed the Fabulous Thunderbirds with vocalist/harpist Kim Wilson in 1974; in addition to Vaughan and Wilson, the band's original lineup included bassist Keith Ferguson and drummer Mike Buck. Initially, the group also featured vocalist Lou Ann Barton, but she left the band shortly after its formation. Within a few years, the Thunderbirds became the house band for the Austin club Antone's, where they would play regular sets and support touring blues musicians. By the end of the decade, they had built a strong fan base, which led to a record contract with the local Takoma Records.

In 1979, the Fabulous Thunderbirds released their eponymous debut on Takoma. The record was successful enough to attract the attention of major labels and Chrysalis signed the band the following year. What's the Word, the group's second album, was released in 1980 and it was followed in 1981 by Butt Rockin'. By the time the Thunderbirds recorded their 1982 album T-Bird Rhythm, drummer Mike Buck was replaced by Fran Christina, a former member of Roomful of Blues.

Although the Fabulous Thunderbirds had become favorites of fellow musicians -- they opened shows for the Rolling Stones and Eric Clapton -- and had been critically well-received, their records didn't sell particularly well. Chrysalis dropped the band following the release of T-Bird Rhythm, leaving the band without a record contract for four years. While they were in limbo, they continued to play concerts across the country. During this time, bassist Keith Ferguson left the band and was replaced by Preston Hubbard, another former member of Roomful of Blues. In 1985, they finally landed another record contract, signing with Epic/Associated.

After the deal with Epic/Associated was complete, the T-Birds entered a London studio and recorded their fifth album with producer Dave Edmunds. The resulting album, Tuff Enuff, was released in the spring of 1986 and, unexpectedly, became a major crossover success. The title track was released as a single and its accompanying video received heavy play on MTV, which helped the song reach the American Top Ten. The success of the single sent the album to number 13 on the charts; Tuff Enuff would eventually receive a platinum record. "Wrap It Up," a cover of an old Sam & Dave song, was the album's second single and it became a Top Ten album rock track. Later in 1986, the T-Birds won the W.C. Handy Award for best blues band.

The Fabulous Thunderbirds' follow-up to Tuff Enuff, Hot Number, arrived in the summer of 1987. Initially, the album did fairly well -- peaking at number 49 on the charts and spawning the Top Ten album rock hit "Stand Back" -- but it quickly fell off the charts. Furthermore, its slick, radio-ready sound alienated their hardcore following of blues fans. "Powerful Stuff," a single from the soundtrack of the Tom Cruise film Cocktail, became a number-three-album rock hit in the summer of 1988. It was included on the following year's Powerful Stuff album, which proved to be a major commercial disappointment -- it only spent seven weeks on the charts.

After the two poorly received follow-ups to Tuff Enuff, Jimmie Vaughan left the band to play in a duo with his brother, Stevie Ray Vaughan; following Stevie Ray's death in the summer of 1990, Jimmie pursued a full-time solo career. The Fabulous Thunderbirds replaced Vaughan with two guitarists, Duke Robillard and Kid Bangham. The first album from the new lineup, Walk That Walk, Talk That Talk, appeared in 1991. Following the release of Walk That Walk, Talk That Talk, Epic/Associated dropped the Fabulous Thunderbirds from their roster.

During the early '90s, the Fabulous Thunderbirds were in limbo, as Kim Wilson recorded a pair of solo albums -- Tigerman (1993) and That's Life (1994). Wilson re-assembled the band in late 1994 and the band recorded their ninth album, Roll of the Dice, which was released on Private Music in 1995. High Water followed in 1997 with a live album after that in 2001.

In 2004, Wilson reassembled the band yet again adding retro blues sensation guitarist Nick Curran and equally talented West Coast guitarist Kirk Eli Fletcher. The newly annointed group released Painted On on Tone Cool records in 2005. Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide.

 

© Copyright Le New Morning, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, juin 2007.

FANM PEYI

Claudine PENNONT, Béatrice POULOT,
KENEDY, K-ROLYN'

FANM PEYI : Quatre chanteuses, aux voix et aux charmes aussi troublants qu'éblouissants, se retrouvent sur un projet s'affirmant comme un véritable métissage musical entre tradition et modernité à travers les influences de la Guadeloupe, Martinique, Guyane, Réunion, Haïti, Brésil, Cap Vert.

Claudine Pennont

A l’image des divas créoles d’antan, Claudine est la voix « roots » des « Fanm Péyi ». Son large registre, puissant et subtil, a impressionné chacun des artistes qu’elle a accompagné sur scène ou en studio (Kassav’, Mario Canonge, Carimi, Wallen, Yannick Noah et tant d’autres). En 2005, son très bel album «Fout Sa Bon » a été récompensé par plusieurs nominations au prix Sacem Martinique. Reconnaissance amplement méritée pour une des plus grandes voix de la Caraïbe.

Béatrice Poulot

Perle réunionnaise, son timbre de voix unique et sa présence scénique lui valent d’être demandée par des artistes tels que Kassav, Laurent Voulzy, Yannick Noah etc... A l’image de son île métisse et subtile, son public d’admirateurs de plus en plus nombreux est tombé sous son charme à la première note, et ce pour toujours.

Kenedy

Le style Zouk R’n’b de cette jeune guadeloupéenne révèle un groove unique et un sens imparable de la mélodie. Outre ses qualités d’interprètes et de compositeur, elle bénéficie d’une expérience auprès des artistes clés de la scène antillaise (JM Rotin, Kaysha, Organiz…). Avec un premier album enregistré quand elle n’avait que 16 ans, son parcours est celui d’une future grande.

K-Rolyn’

La plus jeune des « Fanm Péyi » étonne par sa maturité vocale, et son univers Soul-Gospel. Choriste pour les Nubians, Dédé St Prix, Mario Canonge, Slaï, Perle Lama,…, K-Rolyn’ s’impose progressivement comme une des voix incontournables de la scène afro-caribéenne. Voix de caractère aux subtilités changeantes, elle est l’incarnation musicale de ce qui fait la femme créole.

 

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Thierry Farasse

Batterie

C'est après avoir vu un concert des WHO en 1973 (avec le regretté Keith Moon) que Thierry, alors âgé de 11 ans, allait prendre conscience de sa fascination pour la scène. Quelques années plus tard et des milliers d'heures passées à vampiriser les "Dinosaures Seventies", il se tourne naturellement vers les fûts et forme à 18 ans ses premiers groupes avec les influences majeures de l'époque : AEROSMITH, LED ZEP et AC/DC.

Le groupe BLACKWHITE, fer de lance du Hard Rock français dans le début des années 90, lui offre un siège de 1989 à 1993, le temps d'un album "Slave To Life" et de nombreux concerts dans l'hexagone.

Après deux ans de travail et d'école de musique, il fonde le groupe REVIVAL en 1995 avec Xavier (ami d'enfance et avec lequel il a démarré la musique). De sa culture musicale Pop Rock, Thierry en garde les piliers : simplicité, efficacité et tempos béton, sans oublier l'humour et la folie qui font que, sans batteur, la musique est trop sage ...

 

© Copyright Jazz en Artois, 2006.
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Rolando Faria

Chant

Né à Rio de Janeiro, Rolando Faria débute sa carrière solo au Brésil et participe à de nombreux festivals internationaux et universitaires. C’est à cette occasion qu’il fonde le Mouvement Artistique Universitaire (MAU) et se produit en compagnie des plus grands chanteurs/compositeurs brésiliens (Ivan Lins, Gonzaguinha, Aldir Blanc...).

Remarqué par Eddy Barclay à Rio, Rolando débarque en Europe avec le groupe Central do Brasil. Il enregistre un single en Espagne et un album pour Barclay (aujourd'hui devenu culte) et poursuive par une tournée dans les grandes capitales européennes.

Avec le duo mythique Les Etoiles, qu’il fonde à Barcelone avec Luiz Antonio, Rolando va véhiculer sur les scènes du monde entier le renouveau incessant de la musique brésilienne et faire découvrir aux européens les compositeurs les plus prestigieux de le musique populaire de son pays (Milton Nascimiento, Djavan, Caetano Veloso, Chico Buarque…). Plusieurs albums seront réalisés : Meu Coraçao é um Pandeiro, qui sera suivi de Piratas do Sentimento puis de Les Etoiles Live.

Souhaitant toujours véhiculer une image moderne du Brésil, il a même collaboré avec des DJ comme Bob Sinclar sur un featuring sur le titre « Meu carnaval ».

DISCOGRAPHIE

• U.S. of Piauí/Sistema solar (1971) Forma/PolyGram Compacto simples
• Central do Brasil (1972) Barclay/França LP
• Madalena/Tristeza [S/D] Movieplay/Espanha Compacto simples
• Aldir Blanc. 50 anos (1996) Almar CD
• Trip to Brasil (1997) Sony/França/Japão CD
• The bouz from Brazil (2000) Ya basta!/França CD
• Trip to Brazil 2 (2001) Sony/França/Japão CD

Site internet : www.myspace.com/rolandofaria

 

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Pierre Favre

Batterie, Percussions

Pierre Favre Ensemble "Fleuve"
(ECM/Universal)

Dans son Ensemble, Pierre Favre, batteur, percussionniste et compositeur suisse, côtoie un ensemble de six instrumentistes (basse contrebasse, guitare, harpe et les cuivres de Frank Kroll et Michel Godard). Si l’on peut comprendre "ensemble" comme une manière de jouer avec cohésion, il faut bien constater que ces compositions mouvantes dérivent avec bonheur le long d’un fleuve imaginaire. Le cinéaste suisse Pio Corradi a récemment fini de tourner un portrait filmé du compositeur, intitulé "Poésie en mouvement ". On ne pouvait trouver meilleure description pour ces musiques que leur compositeur prend un malin plaisir à laisser divaguer : comme si les percussions les poussaient un peu plus loin, les invitaient à errer comme du vif-argent, à envahir tout l’espace plutôt que de rester – ce serait dommage – cantonnées aux mesures d’une partition. Le fleuve a ses caprices (harmoniques) : il est parfois impétueux, il veut déborder de son lit. Pierre Favre construit ses mélodies en terrain inondable, et ce n’est pas lui qui construira une digue entre ce fleuve et nos oreilles. Aux frontières du jazz et du contemporain, Pierre Favre se joue des conventions, et sa musique se pare parfois d’accents baroques. C’est que le Suisse ne s’est jamais limité à un seul genre musical ; participant par exemple au sein d’ECM aux enregistrements de Dino Saluzzi, Arvo Pärt ou John Surman. Voici une douce définition du terme "transports en commun".
M LA MUSIC

 

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FAYA DUB

Thierry NEGRO, Christian MOORE, Eric RICO GAULYIER, Laurent PENA-VIEIRA,
Serjio NOBAL, Kenny SAINT-AMAND, Alex LEFRAND, Thomas HENING

Faya Dub est de retour ! Avec une galette toute chaude, leur nouvel album World Wide Reggae, troisième opus après les remarqués Sings and plays et Irie Feeling. Le gang des Huit de Paname est dans la place avec une formule originale car résolument instrumentale.
Pour la plupart pionniers de longue date de la scène reggae parisienne, les membres de la tribu du Dub de feu s’imposent aujourd’hui comme le groupe majeur du reggae français. Après une pause qui les a vu multiplier les expériences musicales diverses, ils se sont à nouveau réunis pour donner le meilleur d’eux-mêmes. Avec World Wide Reggae, ils plantent le baobab d’un reggae instrumental, mixture rare de reggae et de jazz...
Sur des bases « old school » maîtrisées et assumées (les titres « Tchimb’l » ou « Gros morne blues »), le band délivre l’universelle Harmonie, recueillie juste avant l’aurore à l’heure où le jazz brille de ses plus beaux éclats. Thierry Negro étire les lignes de basse aussi noueuses que les racines du big african tree. Ses partenaires de groove, Laurent Pena-Vieira (batterie) et Serjio Nobal (percussions), font vibrer la soul contre l’écorce de l’arbre roi : boum-tchac-boum, boum-tchac-boum ! Écoutez aussi les alizés jazzy d’Éric « Rico » Gaultier qui soufflent dans les branches : ses flûtes et ses sax teintent de bleu nuit les voiles red, gold & green du voilier majestueux. Surgi de l’horizon, le trombone généreux de Thomas Hening sonne le long rappel vers Kenny Saint-Amand et Alex Legrand, les deux archers aux six cordes électriques qui déchirent parfois le ciel à en faire tomber la pluie de cristal. Et puis, Christian Moore caresse du bout des doigts l'ivoire et l'ébène d'un piano solitaire ou d'un orgue qui nappe la fusion fraternelle, celle d'un reggae qui jazze sereinement vers la Terre promise.
Ce feeling jazzy qui colore plusieurs plages de l’album, c’est par exemple le thème céleste du lumineux « Loves » qui mêle mélancolie, espoir et consolation en ravivant le souvenir des oiseaux de nuits flamboyants (Bechet, Armstrong, Mingus ou Coltrane). Il y aussi du ska-dansé (« Regg’n’Roll »), un peu de dub de sagesse en passant par le swing-swing rythm & blues ou la pulsation afro-beat (« Dolly »). La marmite bouillonne sur le « faya » et il y en aura pour tout le monde ! Faya Dub, c’est l’offrande et le partage. Partage des expériences fortes tissées tout au long de leurs expériences marquantes tels ces voyages en Guyane, ou bien en Bosnie où le band se produisit lors du festival Tuzla Wave en août 2000 (le poignant « Bosnia »). Enrichies de l’or slave (les méditatifs « Ishan » ou « Hombre »), les mélodies prennent parfois des accents orientaux qui vous emmènent loin, et les flûtes d’oiseaux s’envolent haut, très haut sur le beat steady.
Faya Dub, c’est le partage encore et toujours. Le vrai, celui qui vous accroche des ailes d’artiste dans le dos. Leur musique, c’est la BO purement instrumentale d’un grand film où chaque morceau est une tranche de vie à monter en kit. Vous voilà acteur de scénarios écrits pour vous par les huit compères.
Écoutez… Laissez-vous aller… Imprégnez- vous de cette vibe… Elle vous fera découvrir un trésor trop longtemps enfoui : votre imagination. 

 

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Babacar Faye

Voix

BLACK PYRAMID : Un cocktail pimenté des rythmes d'Afrique de l'ouest, mélangé aux mélodies ethniques et européennes, parfumé de gingembre ... LE COUP DE PILON !!!! (nouvel album)

Babacar FAYE est un artiste sénégalais vivant à Paris. Attiré très tôt par la danse africaine, classique et surtout contemporaine, il rejoint au début des années 80 "Mudra Afrique", école initié par le fameux Maurice BEJART sous la direction de Germaine Acogny. Il crée sa première compagnie de danse afro moderne jazz "spectrum" et réalise plusieurs spectacles dans divers endroits, notamment au théâtre national Daniel Sorano à Dakar.

Ayant soif d'ouverture culturelle, il décide d'aller en France à Paris pour se perfectionner et faire découvrir sa culture au reste du monde. C'est à Issy les Moulineaux qu'il crée ARTS METIS, une association qui à pour but de réunir les peuples à travers les arts (danse, théâtre, musique, peinture...).

Babacar FAYE ne veut pas s'arrêter à la danse ; il entreprend, veut communiquer, dialoguer avec l'autre. En 1989 il crée son premier groupe 'africans poet' composé de musiciens BAYE FALL,

A travers ce groupe, ils font sonner balafons, flûtes et percussions dans plusieurs festivals et férias (Béziers, Avignon, Bourges... etc.), leur message étant : Paix, Tolérance, Partage, Solidarité..

L'envie d'explorer de nouveaux horizons musicaux ne quitte pas le curieux Babacar  il fonde en 1993 le groupe Black Pyramid composé de musiciens sénégalais, européens, américains et de choristes avec un nouveau son Afro-groove qui donna un coup de pilon à toute la scène parisienne (divan du monde, cithéa, new morning...), ce cocktail pimenté des rythmes traditionnels africains aux mélodies européennes, musique du monde.

En 2005 le groupe participe au festival de jazz de Montreux avec Santana et Idrissa Diop (dance on the beat).

En 1999, il met en place un centre socio culturel africain dénommé " YAK' ART" qui est un lieu d'expressions artistiques, d'échanges, d'écoutes et de rencontres. Citoyen du monde Babacar FAYE appel à la rencontre des peuples au moment où les comunitarismes s'exacerbent.

A son actif, Babacar FAYE :
CD de percussions sous le label Music du monde
Compilation Universal avec Amadou et Myriam
Ainsi que 3 CD autoproduit : Mission (afro groove) - Touba train (afro tek) et nouvel album Coup de pilon (afro mix)

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Pura Fé Crescioni

Guitare, Chant

PURA FE’ Nouvel album « HOLD THE RAIN »
SORTIE le 31 MAI prochain ( Dixiefrog / Harmonia mundi)

« Entre sa voix céleste et son sens du rythme, voici une chanteuse qui transcende les siècles en portant le message de nos ancêtres, qui ont planté cette graine magnifique, et dont le fruit est une musique puissante. » TAJ MAHAL
Il émane de ce nouvel album, comme du précédent, un parfum de simplicité, d’authenticité et de dignité, presque de spiritualité. L’âme indienne est présente partout dans cet album et elle l’illumine.
Pura Fe’ est indienne Tuscarora par sa mère et revendique l’influence de la musique amérindienne dans le blues. Sa musique est un mariage heureux entre Blues, Musique Traditionnelle Indienne de Caroline du Nord et Folk Song.
Le premier album de Pura Fé a été unanimement accueilli par la critique en France. « Tuscarora Nation Blues » a surpris par sa totale originalité et sa magie dans un domaine musical qui a tendance à se copier à l’infini.
Dans ce premier album Pura Fe’ racontait comment l’histoire unit dans l’esclavage les noirs et les indiens du sud (beaucoup d’artistes de Blues et de Jazz revendiquent cette double appartenance) et nous transmettait le message ancestral du Monde Indigène.
S’il est vrai que « Hold The Rain » débute et s’achève par un hymne amérindien que Pura Fe’ a écrit et enregistré il y a 12 années en Caroline du Nord pour contribuer à fédérer les tribus de cette région, ce nouvel album est très différent du précédent.
L’engagement politique de Pura Fe’ pour sa communauté laisse ici la place à des émotions et des histoires plus intimes et personnelles. Elle vit maintenant à Seattle, et « Hold the rain » est le fruit de sa rencontre et de sa collaboration avec Danny Godinez, guitariste et arrangeur, qui a su mettre son talent au service des ses compositions et de sa sensibilité.

LES TITRES :
* Le premier titre de l’album (« If I Was your Guitar ») est écrit en hommage à Kelly Joe Phelps qui a donné à Pure Fe’ l’envie de jouer du lap steel (guitare slide posée à plat sur les genoux).
* « Summertime » est la chanson que chantait sa mère quand elle était enfant, en la berçant, ou bien dans l’orchestre de Duke Ellington.
* « Hold the rain » et sa fin hispanisante, est écrite en mémoire de son père d’origine américaine du Sud et corse à la fois.
* « Home » est dédieé à Chris Whitley qui nous a quitté récemment.
* « Quiet moments » est un titre écrit par son ami Joe Ravens qui passe ses nuits à composer dans sa cave depuis la mort de sa femme. Pura Fe’ s’est contenté de poser sa voix sur le piano de Joe.
• Enfin, Eric Bibb, l’une de ses artistes favoris lui a écrit une chanson qu’il interprète en duo avec elle (« People You Love »). Profondeur, émotion et magie…

 

© Copyright Le New Morning, 2007.
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Michael Felberbaum

Guitare

Depuis 1990, date à laquelle il s'installe à Paris, Michael Felberbaum multiplie les rencontres décisives et participe en tant que guitariste et compositeur à de nombreux projets, les plus récents étant un duo avec le tromboniste Daniel Casimir, " Ilium " aux côtés du pianiste Pierre De Bethmann, l'Absolute Orkestra de Toufic Farroukh, Manu Dibango, Steve Lehman, Stéphane Persiani, Steve Potts, Sylvain Beuf, François Theberge, ou encore en trio avec Emmanuel Bex et Aldo Romano.

Aujourd'hui Michael FELBERBAUM réunit le saxophoniste Matthieu Donarier, " protégé " de Daniel Humair et membre actif de la scène jazz actuelle, le contrebassiste Diego Imbert, connu pour son travail avec le guitariste Bireli Lagrene et membre du trio de Sylvain Beuf, et le batteur Karl Jannuska, qui a enregistré et tourné avec, entre autres, Lee Konitz, Seamus Blake, et Sjeila Jordon, autour de ses compositions. L'album SHARP WATER, sorti en avril 2004 sur Nocturne, est salué par une critique élogieuse

La musique sur SHARP WATER révèle des compositions aux structures complexes et mélodiques, où l'équilibre entre intellect et émotion, structure et improvisation, est tenu par un quartet parfaitement accordé.
En leader, Michael FELBERBAUM fait preuve d'une grande intelligence, jouant avec précision, densité et lyrisme. De ses traits de guitare merveilleusement ciselés résultent cette élégance du phrasé, cette limpidité et cette beauté auxquelles Sylvain Luc fait référence lorsqu'il parle de l'interprétation du guitariste.
Avec SHARP WATER, Michael Felberbaum s'impose une fois de plus comme un formidable compositeur.

Après une prestation au studio Charles Trénet de la Maison de Radio France à l'automne dernier, et deux concerts au Duc des Lombards les 3 et 4 juin 2004, Michael FELBERBAUM se prépare à prolonger l'expérience de la scène et enrichir la musique de SHARP WATER en public.

GUITARE

Guitariste, compositeur et arrangeur, Michael fait ses premiers concerts à l'âge de quinze ans dans les clubs de jazz romains.

Il s'installe aux États Unis en 1985 où il travaille avec Frank Lacey, Antonio Hart, Roy Hargrove, Joshua Redman, Mark Turner, le poète Allen Ginsburg, les " Marvelettes ", Maria Muldaur. Il s'investit également dans différents projets personnels au sein desquels il affine son talent de compositeur. Parallèlement, il suit des cours de composition et d'arrangement à la Berklee School of Music de laquelle il sort diplômé Bachelor of Music avec mention spéciale " Magna Cum Laude ".

De retour en Europe, il s'installe à Paris en 1991 où il joue et enregistre avec entre autres Johnny Griffin, Alain Jean-Marie, Stefano Di Battista, Stéphane Belmondo, George Brown, Sunny Murray, François et Louis Moutin, Hal Singer, Zool Fleischer, Brice Wassy, Adel Shams El Din et St. Germain.

Il fait également partie du Steve Potts Quartet depuis 1995 où ses talents de compositeur sont fort appréciés. En 1998, il participe aux Djangos d'Or avec le François Théberge Quartet.

Depuis, Michael se consacre à divers projets en tant que guitariste et compositeur : le trio " 3 Éléments " avec le violoncelliste Dimos Goudaroulis et le batteur John Betsch, Le Duo avec le tromboniste Daniel Casimir, le quintet de Pierre De Bethmann " Ilium 5 ", le Stéphane Persiani Quintet " Complexion ", L'Orchestre de la Lune, Toufic Farroukh, et le trio avec Emmanuel Bex & Aldo Romano.

Musicien confirmé, Michael avait depuis longtemps en tête de réunir plusieurs musiciens sous son nom afin de faire vivre ses propres compositions. C'est à présent chose faite puisque le MICHAEL FELBERBAUM SHARP WATER, récemment constitué, fait désormais partie de ses priorités... 

Discographie sélective

• Michael Felberbaum " SHARP WATER " - Nocturne, 2004
• Daniel Casimir " Eros et Thanatos " - Yolk, 2004
• Pierre De Bethmann " ILIUM " Quintet &endash; Effendi/Naïve, 2003
• Emmanuel Bex " Electric Jaz(z)z " - Naive, 2002
• Michael Felberbaum & Daniel Casimir " Diffuse Useful Overtones ", Greenjay, 2001
• Stéphane Persiani " Complexion " - Shai/Sony Music, 2001
• Meta " Secret History " &endash; Greenjay, 2001
• Valentine Zoo - Mosaic Music, 2001
• Steve Potts " Wet Spot " - wetspot@stevepotts.net, 2001
• Morena Fattorini " Prima dell' alba ", 1996
• Chris Cody Coalition - Quoi De Neuf Docteur/Night and Day, 1996
• Igal Foni/Michael Felberbaum " For Elevators " - JAZZIS, 1995

© Copyright Michael FELBERBAUM, 2005.
Page maintained by Christian Boullangier for Jazz-Passion, janvier 2005.
mise à jour en février 2005.

Hélène Felix

Électronique

Née à Valence en 1972, Hélène pratique la musique dès son plus jeune âge. Elle forme différents groupes par lesquels elle acquière une large expérience de studio et de scène. Elle s'installe à Paris en 1989 où au fil des rencontres elle se perfectionne en tant qu'auteur, compositeur et interprète. En 1996, elle co-fonde le duo EGGO avec Luc Barrera et sort un premier single "Sweet nest" sous le label Pulp Flavor. En 2001, elle crée son propre label Equal musik (édition-production), dans lequel elle produit, entre autre, le premier album d'EGGO "Panoplie".

En 2004, elle se lance dans le projet d'un premier album solo. Au fil des compositions, l'histoire se dessine sous les couleurs fondamentales de la Soul Funk avec des nuances afro-jazz. L'état d'esprit de cet album est basé sur l'échange, le partage et l'humour, réunissant ses aventures musicales. D'où un retour à l'acoustique avec l'intervention d'instruments comme le saxophone et la flûte, ainsi que la participation de voix telles que celle de Cécile Ndebi, Solale, Rico, Nora Sandal et Wendy. Chaque mélodie instrumentale et harmonie vocale, danse autour de la rythmique et la basse qui sont le moteur principal des morceaux. Un album solo dans lequel Hélène a su s'entourer en créant ce mélange des genres qui personnalise très bien l'univers hf. Actuellement, hf prépare le live de "Keep the face" en réadaptant les titres dans une énergie encore plus groove et en laissant place à la spontanéité et l'improvisation des musiciens. Parallèlement, Hélène travaille sur son deuxième album et sur celui de Cécile Ndebi (afro, jazz, soul).

L'album Keep the face sera dans les bacs le 23 avril 2007 (distribution : Anticraft).

HF a remixé pour :
Thomas Toussaint - Neutral mix (LP - Chamber remixes) 2005
EGGO - Fairy mix (Maxi - La papaye mobile) 2002
EGGO - It belongs to mix (Maxi - La papaye mobile) 2002

 

© Copyright Le New Morning, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, mars 2007.

Hadrien Feraud

Basse

Il vient d’avoir 12 ans quand son père lui offre un disque de Jaco Pastorius, « The Birthday Concert », en lui glissant à l’oreille que ce bassiste est le plus grand. Hadrien, subjugué, découvre un son de basse inouï, inconnu auparavant, qu’il se repasse en boucle sans pouvoir s’arrêter. Sa décision est prise : il faut absolument qu’il joue comme ça ! Une révélation brutale mais fondamentale, qui fera de lui, 10 ans plus tard, l’un des plus jeunes virtuoses de la basse électrique de l’Hexagone.

On peut se demander d’où vient cette passion d’Hadrien pour Jaco Pastorius ? Pourquoi est-elle instantanément si dévorante ? Quel déclic secret a bien pu le pousser à s’enfermer des jours entiers dans sa chambre pour retrouver, en autodidacte surdoué, l’intégralité des traits de génie qui ont terrassé tant de bassistes chevronnés ?

Toujours est-il qu’en 1997, imiter « le plus grand bassiste du monde » – titre autoproclamé de Jaco – devient l’unique credo d’Hadrien Féraud. À force d’acharnement, de mois passés à le copier parfaitement, à retrouver ses inflexions les plus charnelles, son phrasé le plus intime, cette pulsation magique qu’il savait insuffler à sa basse, Hadrien parvient, en 4 ans, à devenir le double de Pastorius. Il réussit à se glisser dans sa peau, à être son jumeau.

Dès ses premiers concerts, Hadrien se fait remarquer et adopter par Biréli Lagrène, qui détecte en lui un superbe potentiel. La suite démontrera que l’instinct de Biréli ne l’avait pas trompé. Pour preuve, à 22 ans, Hadrien a déjà réussi à poser les solides fondations d’un immense avenir musical. En l’écoutant sur son premier disque, où son éblouissante virtuosité bondit à chaque morceau, on devine qu’il ne va pas s’arrêter là. Qu’il garde en réserve l’envie de nous surprendre. D’ailleurs, il s’est déjà affranchi de l’influence de son maître, pour donner à son instrument sa propre voix, seul moyen de trouver sa voie propre. Celle-ci prend sérieusement forme, au fil de ses rencontres avec des musiciens prestigieux : Sylvain Luc le conseille et apprécie sa musicalité ; Jean-Marie Ecay le coache et l’encourage ; Dominique Di Piazza, son frère de basse, le stimule et le respecte.

En ce début d’année, tout semble s’accélérer pour le jeune prodige : il vient d’enregistrer avec John McLaughlin deux magnifiques morceaux, « Senor C.S. » et, logiquement, « For Jaco », avec le saxophoniste Bill Evans, le batteur Mark Mondesir et le claviériste-batteur Gary Husband. McLaughlin, ravi qu’il ait participé à son album, lui a demandé de le rejoindre pour sa prochaine tournée américaine. Et l’on murmure que Chick Corea apprécierait beaucoup les envolées lyriques et la sonorité fluide d’Hadrien Féraud. Sans aucun doute, la basse électrique vient de se trouver un nouveau héros, et même un nouveau héraut, qui annonce le futur radieux de cet instrument désormais reconnu à sa juste valeur.

Olivier Bride

© Copyright Le New Morning, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, décembre 2007.

Alex Ferrand

Chant, Guitare

« Ce que je recherche c’est un jazz spontané. Pas de la musique pour musiciens ! » clame Alex Ferrand, co-fondateur du trio BMF avec Stéphane Maurage. Tous deux unissent leur talent dans un duo guitare/chant - piano où ils reprennent les standards du swing.

Alex Ferrand débute sa carrière musicale par le saxophone. Passionné de jazz-rock, il monte un premier groupe : L’autre côté de la rue (1983-1985).

En 1983, il enregistre avec Magma le disque Merci et suit Christian Vander (le batteur) et son groupe dans une tournée internationale.

Il se produit avec Christian Vander et Offering jusqu’en 1995.

De 1995 à 2004, il réalise des musiques de films institutionnels et de publicités.

En 2000, il est médaille d’or de chant jazz de l’E.N.M. (Ecole Nationale de Musique) de Cachan et sort vainqueur avec son big band du festival de jazz d’Armentières.

C’est en 2003 qu’il fonde avec Stephane Maurage un duo orgue Hammond/chant dans l’esprit de Nat King Cole et de Franck Sinatra.

Stephane Maurage est à la fois contrebassiste, bassiste et pianiste. Depuis 25 ans, il alterne enregistrements studios, concerts (Printemps de Bourges, Festival de Blues de Grenoble) et enseignement musical.

Pianiste au club de jazz, Les Trois Maillets, il travaille beaucoup avec le pianiste et compositeur Patrick Villanueva et réalise un projet sur Horace Silver.

En 2004, Charles Benaroch, intègre la formation qui devient le trio BMF. Il apporte une couleur latino-swing des années 50/60.

Un jazz dansant où la voix prend sa pleine envergure tant dans les parties mélodiques que dans l’improvisation : ce jazz dynamique et communicatif c’est aussi celui que vous retrouverez dans « la version duo » programmée cette année au Festival « les couleurs du jazz » de Corbeil-Essonnes.

Crédit photo : D.R.

 

© Copyright Les Couleurs du Jazz, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, mai 2007.

Russel Ferrante

Contrebasse

Depuis leur premier album éponyme en 1980, les Yellowjackets ont conjuré un certain nombre de mauvais tours, évoluant continuellement au cours de leur carrière.
Les Yellowjackets ont commencé comme groupe de "rythm and jazz" avec Ferrante, Haslip et le guitariste Robben Ford. Leur projet a ensuite évolué pour se transformer en groupe. Puis Ford quitta les Yellowjackets en 1983 pour poursuivre sa carrière solo, le saxophoniste alto Marc Russo le remplaça et le groupe commença à explorer des sons beaucoup plus orientés vers le jazz. Avec l'arrivée de Kennedy en 1986, les Yellowjackets s'aventurent dans des sonorités nettement plus influencées par les rythmes africains, brésiliens et ceux de la world musique en général. Quand Mintzer prit la place de Russo en 1990, les Yellowjackets mirent la barre plus haut avec son swing et ses contributions aux big band.

Certains producteurs et artistes ont aussi eu des rôles majeurs dans l'évolution du son bien distinct des Yellowjackets. Sur leur album sorti en 1989, The Spin ,le producteur norvégien Jan Erik Kongshaug (ECM Records) a apporté une touche clairsemée et contemplative. Sur leur album suivant, Greenhouse, on retrouve Kongshaug ainsi que le percussionniste Alex Acuna et les arrangements de Vince Mendoza. Le célèbre arrangeur a aussi collaboré avec les Jackets, le German WDR Big Band ainsi qu'avec le Dutch Metropole Orchestra. On trouve aussi le chanteur Bobby Mc Ferrin sur leur dernier album, Dreamland.
En plus de ces succès commerciaux, les Yellowjackets ont gagné un Grammy Award en 1986 (Meilleur enregistrement instrumental R&B pour "And You Know That" de l'album Shades) et en 1988 (Meilleure Performance Jazz Fusion pour l'album Politics). L'année dernière, le groupe a reçu sa neuvième nomination aux Grammy pour Dreamland, sa première sortie chez Warner Bros, label chez qui ils sont depuis retournés après neuf ans d'absence.
Les Yellowjackets continuent de parcourir le monde, découvrant de nouveaux marchés, recevant les applaudissements des publics du monde entier et séduisant de nouveaux fans.
avec les Jackets, le German WDR Big Band ainsi qu'avec le Dutch Metropole Orchestra. On trouve aussi le chanteur Bobby Mc Ferrin sur leur album, Dreamland.
En plus de ces succès commerciaux, les Yellowjackets ont gagné un Grammy Award en 1986 (Meilleur enregistrement instrumental R&B pour "And You Know That" de l'album Shades) et en 1988 (Meilleure Performance Jazz Fusion pour l'album Politics). Le groupe a reçu sa neuvième nomination aux Grammy pour Dreamland, sa première sortie chez Warner Bros.
Les Yellowjackets continuent de parcourir le monde, découvrant de nouveaux marchés, recevant les applaudissements des publics du monde entier et séduisant de nouveaux fans.

In 1977, Robben Ford assembled a group of veteran session musicians to record his album The Inside Story. The trio of musicians, which included keyboardist Russell Ferrante, bassist Jimmy Haslip and drummer Ricky Lawson, soon discovered a certain "chemistry" and musical affinity that led to their formation of Yellowjackets. The Inside Story being mainly instrumental, Robben Ford's record label wanted him to record another album that was more pop and vocal oriented. The group, known as the Robben Ford Group, preferred to pursue the instrumental route, and a "band within a band" was formed. This same group with Robben Ford on guitar recorded digital demos that were eventually accepted by Warner Brothers, and Yellowjackets was born. While Robben's contributions would diminish over the years to being a guest artist, the group known as Yellowjackets would flourish.
Their debut album Yellowjackets made serious waves in jazz radio, garnering public and critical acclaim. Mirage A Trois followed in its footsteps. While they went on a brief hiatus to pursue other projects, they reassembled in time for the 1984 Playboy Jazz Festival, adding percussionist Paulinho Da Costa and their new lead voice, sax man Marc Russo. This landmark concert paved the way for their eventual success both on the Billboard Jazz charts and concert venues around the world, and resulted in the third spicy Yellowjackets album Samurai Samba. 1986 saw the group moving over to MCA Records to record Shades, the title track being written by Donald Fagen (of Steely Dan fame) as a tribute to the many "shades" he heard in the group's music.

With their album Four Corners, Ricky Lawson departed to join Lionel Richie's touring band and was replaced by the versatile William Kennedy. This rock-solid lineup took the Yellowjackets into new territory, exploring world beats and densely-populated soundscapes that reflected a growing maturity in their music. Politics, the follow-up to Four Corners, mellows out, and the group sheds some of the electronic elements and starts exploring acoustic sounds. Marc Russo's final recording with Yellowjackets, The Spin, was recorded in Oslo, Norway by noted engineer Jan Erik Kongshaug (well known for his work on the ECM label), and the Jackets proved that they could belt out acoustic jazz with the best!
Greenhouse ushered in a new era. With Marc gone, the Yellowjackets trio would record one of their most adventurous albums to date, featuring ace big band arranger and saxophonist Bob Mintzer on many of the tracks, and string accompaniments on a handful of others. Shortly thereafter, Bob Mintzer became a bona fide member of Yellowjackets. The Jackets also recorded on one of Bob Mintzer's dmp Records projects, One Music. Live Wires captures the group in concert with Mintzer at the helm. The two albums that followed, Like A River and Run For Your Life, reflected a growing interest in straight-ahead acoustic jazz.
With 1995's Dreamland, Yellowjackets returned to their first record label, Warner Brothers, producing their most relaxed, and relaxing, recording to date. Blue Hats is more spontaneous than its predecessors, musically rich and particularly revealing in showing how Yellowjackets have evolved since that landmark first album. Club Nocturne, their latest studio recording, achieves great crossover appeal with the guest vocalists Kurt Elling, Jonathan Butler and Brenda Russell. And while the Yellowjackets of today sound little like the original Yellowjackets from fifteen-plus years ago at first listen, the unmistakable talents of the individuals involved still have the unique signatures that shine through regardless of their musical setting, whether it be blistering-hot fusion or full-blown acoustic jazz. In other words, their music has evolved and matured considerably, but there's no mistaking that it is Yellowjackets you are hearing.
At the beginning of 1999, William Kennedy departed Yellowjackets to pursue other interests, and Peter Erskine joined the group for the balance of the year. Peter had played with Bob Mintzer on some of his big-band and small group recordings, so it was a natural that he would become one of the Yellowjackets. Unfortunately, Erskine's busy schedule would conflict with the band's, and he would depart by year's end without ever having recorded an album with the group.
At the open of the year 2000, the Yellowjackets are once again a trio, with Russell, Jimmy and Bob using different drummers as they continue touring throughout the year. Two of the fine drummers they've hooked up with are Marcus Baylor and Terri Lynn Carrington. For 2000, the band also saw a change in management, and are currently negotiating a deal with a new record label. Jimmy's long-awaited (and long-delayed) solo recording, Red Heat, is promised for release later in the summer. And once the Jackets have signed with a new label, expect to see a new recording featuring a lot of new material they've been working on!
If you're expecting something cute or meaningful in the naming of the group, you may be disappointed. Russell Ferrante relates the following on how the group's name was chosen: "I wish there was a clever rationale, but there really isn't. At the time we were making our demo in hopes of landing a recording contract, we were still the "Robben Ford Band". We had recorded one record with Robben, (primarily instrumental) but his record company was "encouraging" him do do something more pop and vocal oriented. As we also wanted to continue playing instrumental music, we all decided to form a "band within a band" so to speak. At the demo session Jimmy brought in a sheet full of possible names, most just awful. The one that popped out was Yellowjackets as it seemed to connotate something lively, energetic, and something with a "sting". That's really about as deep as it went. Once you choose a name, you're stuck with it so here we are, 16 years later, grown men playing in a band named 'Yellowjackets.'"

Russell Ferrante
Russ’s first exposure to music came from his church, where his father was the choir director as well as being a frequent vocal soloist and having a vocal gospel quartet. His father’s whole family were music lovers and several of his brothers and sisters had marvelous voices, something Russ admits never got passed on to him. "I began piano lessons at 9 with the expectation that I'd one day be the chuch pianist. My musical interests took me elsewhere but my sister who is 2 years younger actually went on to fullfill my parent's dreams and is now directing the music department for a church in Watsonville, CA," Russ says.
Beside his early interest in the piano, Russ also tried other instruments, making the most headway on drums, even going as far as playing drums on a couple of gigs and recording sessions. His experience with the drums has benefited his piano and keyboard playing and composing as a result.
As for musical education, Russ relates the following: "I took piano lessons from a wonderful piano teacher in San Jose, CA named Ann Penner, from age 9-16 or so, nothing fancy, just the basics. I got interested in jazz and pop around the age of 15 and studied that from whatever sources were available, notably scattered lessons with local jazz musicians, jazz theory books that I found or were recommended to me, and listening to my favorite recordings and transcribing songs and solos. Regrettably I never really studied music in school."
"The first recording I heard that really got me excited about being a musician was "Swiss Movement" by Les McCann and Eddie Harris. I loved the way the musicians combined jazz, R&B, and gospel music. This marriage of jazz and R&B was something I heard a lot around San Jose where I grew up. There was one musician in particular, Clifford Coulter, who greatly inspired me.
"At around the same time, I was introduced to John Coltrane's "My Favorite Things" and various recordings by Miles Davis. I didn't understand that music at all but nonetheless, I immediately loved it! Along with these recordings, I was listening to and drawing inspiration from The Beatles, "Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band" and Joni Mitchell's first album "Clouds"."

Jimmy Haslip
Jimmy’s bass is an integral part of the Yellowjackets sound. In addition to building the foundation upon which their songs are crafted, his thoughtful and often fiery solos are a high water mark of many Yellowjackets tracks.
Jimmy Haslip grew up in a rich musical environment. As a youth, he listened to Latin and salsa music around the house, including such Latin music icons as Tito Puente, Mongo Santamaria, Machito, Ray Barretto, Celia Cruz and Eddie Palmieri, to name a few. In addition to learing various Latin dances from his parents, Jimmy learned how to play a lot of basic Latin rhythms on the different percussion instruments that they had around the house. He learned to play authentically on the claves, maracas, cowbell, bongos and the guido, which gave him that keen sense of time and rhythm that surfaces in his bass playing today.
His older brother Gabriel also played Jimmy some jazz and classical music, so he had exposure to John Coltrane, Charlie Parker, Eric Dolphy, Miles Davis and Dave Brubeck on one hand, and the music of Debussy, Stravinsky, Beethoven, Mozart and Mahler on the other. Jimmy says, "This was an eye opening time for me and even though most of this music was over my head, it definitely ignited my musical curiosity. I also was listening to a lot of Pop music, like the Beatles, the Supremes, The Four Tops, The Temptations, Wilson Pickett, James Brown and lots of great Pop music on the radio. I can remember that it was a very exciting time for music!"
Jimmy began studying music in elementary school, playing the trumpet and other assorted brass instruments (including the bugle, baritone horn and tuba) from age seven to fourteen. Jimmy picked up a bass at the age of fifteen and taught himself how to play it. "Actually the very first time I saw an electric bass, was at a junior high Valentine's day dance. There was a live band playing and the bass player had an reddish/orange Hagstrom bass and a small Standel bass amp. It was then that I knew I wanted to play the electric bass! What a feeling! I'll never forget it as long as I live. It was my very first real spark of creative passion!"
While being mostly self taught on the bass, Jimmy studied with a private bass/tuba player from New York named Ron Smith. He was also very fortunate to have studied with one of jazz music’s greatest talents. "…I did manage to study with Jaco Pastorius for a few weeks in the mid seventies, when he had just joined Weather Report. That was a giant leap for me as a serious musician and it filled me with a much higher level of inspiration. I think he was a major inspiration to all bass players at that time!"
To sum it up, Jimmy offers this inspirational piece of advice that is applicable to any musician, whether new or experienced: "I've basically learned so much from just about every musician I've performed with in the past and I will continue to learn from my experiences in the future. The learning process is never ending. The key is to always strive and search for knowledge. In learning new things everyday, there will be inspiration. That inspiration will thirst for knowledge and so the endless cycle goes. They will feed each other infinitely and theoretically the ‘creative well’ will never run dry."
So, what musical influences does Jimmy claim? "Well definitely for me the Beatles, especially Paul McCartney, inspired the melodic concept and James Brown inspired the groove. There was Tito Puente and Mongo Santamaria who inspired rhythm. Béla Bartók, Mozart, Prokofiev, Samuel Barber, Chick Corea, early Genesis, Gentle Giant, Olivier Messiaen, Dmitri Shostakovich,Krzysztof Penderecki, Antonio Carlos Jobim, Villalobos, Brahms, Wayne Shorter, Zawinul, Jaco Pastorius, Alban Berg, Mingus, Miles,Nicolas Slominski, Coltrane, Thelonius Monk, Sting, Peter Gabriel, Joni Mitchell, Basie, Duke Ellington, Billy Strayhorn, The Motown Sound and Aaron Copeland, just to name a few that inspired writing, arranging and composition.
"Van Gogh, Dali, Henri Rousseau, Georgia O'keeffe, Leonardo DaVinci, Galileo, Einstein, Nikola Tesla, Plato, Walt Whitman, Marc Chagall, Henry Moore, Edward Hopper, Rembrandt, Picasso, Botero, Matisse, Escher, Canaletti, Gaudi, Gauguin, Federico Fellini, Alfred Hitchcock, Steven Speilberg, Frank Capra,Orson Welles, Lina Wertmuller, Ingmar Bergman, François Truffaut to name a few who inspired my imagination."
And last but not least, perhaps the most influential person in Jimmy’s career: "Jimi Hendrix was the sole inspiration for me playing music as a profession. Seeing him perform live was awsome and it lit a fire within me, which eventually gave me the drive to pursue music as a career."

Bob Mintzer
It seemed odd at first that a big band saxophonist and arranger should join a small jazz group like Yellowjackets. But as time goes on, more and more fans realize that Bob Mintzer is a versatile and thoughtful musician and songwriter, bringing many years of experience and musical talent to the group. In addition to his Yellowjackets gigs, he is also bandleader, writer and arranger for his Bob Mintzer Big Band, which records for dmp Records, as well as teaching music and conducting workshops and performing with the New York Philharmonic.
A native of New Rochelle, NY, Bob recalls listening to a lot of records and visiting jazz clubs in his youth, which led to playing music by ear and taking lessons, first on clarinet and later on saxophone. As a senior in high school, he attended the Interlochen Arts Academy in Michigan, and there was no looking back. The long hours of practice and dedication paid off. "And from there I just carried on," Bob recalls. I went to music school, practiced four, five, six hours a day, listened, soaked up all the music I could. I started composing, doing a little bit of arranging and playing jobs, jamming, writing songs, gathering people together to make little demo tapes and doing all the things that are involved in the learning process."
His early gigs with Eumir Deodato, Tito Puente and the Thad Jones and Mel Lewis Big Band were beneficial. The routine of playing and performing on a daily basis was important "because it gets you in the habit of coming up with a high level of musicianship on the spot." Some of his earliest arranging jobs were for Buddy Rich’s band. Buddy encouraged Bob to write a chart for his big band. Bob’s chart was entitled "No Jive", a very contemporary, fusion-oriented piece. "It was a first stab, not a great chart, not finely crafted by any means, but it was sort of unusual, I wrote some stuff that probably had not been written quite that way before, because I didn’t know what I was doing," relates Bob. "The band played the shit out of it. I got so excited that I ran back to the piano and wrote another one." To say Buddy was hungry for more was an understatement! "Buddy basically threatened me into writing a big band arrangement. I very blindly and innocently took a stab at it."
One of his most influential stints was with the Thad Jones and Mel Lewis Big Band. At first, he played every Monday night at the Village Vanguard, playing for about six months until Thad left and stayed on with Mel. "Mel Lewis’s drumming, in many ways, was the greatest big band drumming I’ve ever experienced at first hand. He really listened and supported and accompanied." He continues, "The band just swings like crazy. It felt very comfortable to play with that band. It was a determining factor on the way I run my own band, the way I like to play and the way I write eten. Thad had a big impact on my writing."
His own big band recordings for dmp records reflect a lot of his earlier work, as well as a lot of the music he listened to and admired. On his big band recordings, you hear not only traditional big band elements, but some rock, Latin and fusion elements as well. "I liked the music from listening to records," Bob states. "Miles Davis, John Coltrane, Charlie Parker, Sonny Rollins, Lester Young, Dexter Gordon, Freddie Hubbard, George Benson, Herbie Hancock, Chick Corea...all of these guys playing on the edge--very spontaneous and vibrant music which appealed to me."
Mintzer’s music is by no means mainstream big band jazz. "I don’t know how accessible it is. Based on the number of CDs I sell, I wouldn’t call it terribly accessible." As a result, the Bob Mintzer Big Band does not often perform at live concerts, mainly due to the expense of taking a full-time big band on the road. "Without having a Harry Connick Jr. in front of the band, it becomes quite difficult to take a band on the road. My big band plays in clubs around New York a few times a year. We’ll do a concert periodically. We do a record once a year. It doesn’t take up all of my life."
And that is a good thing. Now that Bob is a member of Yellowjackets, his schedule is even more busy, recording with the ‘Jackets and flying off to one corner of the globe or another performing with the group. But it is enjoyable working in a small group atmosphere with musicians that have very different backgrounds in music. "One of the things that attracts me to the Yellowjackets is this concept of not having racial barriers come into play in art. There’s four very distinctly different individuals in that band, from very different backgrounds and that way of thinking is reflected in the music."

Bob offers this advice for aspiring musicians: "Education is the way to go, in terms of keeping the music healthy, keeping people interested in music." He also says that the commercial music scene is very trend oriented, which is not necessarily the type of music with a lot of substance or thought behind it. While his music wouldn’t be as prominently displayed as the latest trendy artist, you’re more likely to find scores of colleges and universities playing Bob Mintzer charts. "That’s why I feel that the educational scene is a much more fertile and interesting arena for music."

Marcus Baylor
Marcus Baylor, a native of St. Louis, began playing the drums at two years old. Watching his cousin play every Sunday morning fascinated him so much so that after each service, he'd jump on the set and mimmick what he heard first hand. At home, he played on everything from pots and pans, to his mother's living room furniture. It soon became evident that this was a gift from God and should be taken seriously. Not long after, Marcus became the official drummer at his father's church. From that point on, he played at tent revivals, concerts and all services affiliated with the church. "Playing at church was the greatest start I could ever have because I constantly played and it served as a platform to develop a sound."
Marcus' introduction to jazz came in junior high school. Ironically, a friend played him a Yellowjackets record. Although different, there were certain similarities in their music and gospel, the music Marcus was so familiar with. But, something sparked in him the first time he saw jazz played live.What attracted him to this music was that it was something he never heard and found it to be a challenge, a new sound to develop. After scratching the surface, Marcus was eager to learn about those that came before them. He discovered Art Blakey and The Jazz Messengers, Thelonious Monk, Miles Davis, and many other jazz greats. As Marcus became more exposed to this music, he excelled quickly in the language of jazz. He joined his school jazz band, won the Southern Illinois University high school big band competition and made All District Jazz Band.
At the close of high school, Marcus was offered a four year scholarship at Mannes School of Music in New York City. This was his first chance to study the music from a traditional perspective. He was fortunate to study with some of his musical heroes, Lewis Nash, Chico Hamilton, Michael Carvin and Buster Williams. Being in New York City afforded him all that was available in the jazz world from being able to hear great musicians as well as play with them. During his sophomore year, Marcus began playing local gigs, one of which was with the music director for Cassandra Wilson, who invited him for an audition with the band. This was a significant turning point in Baylor's career as he recorded for the first time with Wilson on "Travelin' Miles", featuring the music of Miles Davis. "Playing with Cassandra, I learned to hear and play different textures, or 'colors' as she called it, and explore different dynamics." While on tour, there were many memorable moments as renowned artists sat in with the band. Among them were George Benson, Dave Holland, Regina Carter and Olu Dara. Meanwhile, Baylor earned his Bachelor of Fine Arts degree.
Following Wilson, Marcus began working with Kenny Garrett. He explains this opportunity as "a dream come true". For Marcus, this was a chance to open up and explore another side of playing jazz music. More than just a musician, Kenny was also a teacher and mentor. Working with him, Marcus gained a tremendous understanding of the history of rhythm, phrasing and ultimately a sound within the music. It also granted him an enormous amount of exposure as others heard him play and consequently opened up many doors. He recorded a song with Kenny on the album, "Happy People". Also on the road with Garrett, Marcus was exposed to playing with other greats such as Chick Corea and Freddie Hubbard. Independently, Baylor has worked with John Scoffield, Joshua Redman (Elastic Band), Greg Osby, Cyrus Chestnut, Stephon Harris, Junior Mance, Nicholas Payton, Lamont Johnson and East St. Louis native, Russell Gunn.
As Marcus Baylor comes into his own, he has found himself in the chair of one of the longest running and most loved contemporary jazz groups. Marcus has been playing with the Yellowjackets since 2000. In that time, he recorded his first record with them, "Mint Jam", a live recording at The Mint in California, and "Time Squared". When asked what he likes most about being a part of the Yellowjackets, "The Yellowjackets allow me the creative space to lend my own personality to the music. It's been a blessing and a dream come true to play with a group that I've listened to for so many years." Concerning his future, Marcus adds, "Music is a special gift from God. As it has blessed me, I pray that it will be used as a light to reach, touch and inspire lives all over the world."

© Copyright Le New Morning, 2008.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, février 2008.

Bevinda Ferreire

Chant

Née au Portugal et vivant en France, Bévinda, chanteuse franco-portugaise, représente aujourd'hui la génération de ceux qui vivent entre deux terres. L'instrumentation acoustique de ses musiciens offre un fado résolument nouveau, où la gravité de la tradition se mêle à une écriture musicale et poétique bien de notre temps.

Explorant et défendant la musique de son pays et l'intégrant dans sa propre musique, comme une porte ouverte sur le monde, Bévinda imagine une errance lusitanienne aux escales atlantiques et méditerranéennes portant son Portugal natal toujours plus loin vers l'orient. Toujours nomade, son chant se pigmente de Luth, guitare flamenca, guitare portugaise et tablas.

Fidèle à l'essence même du fado, car il est toujours le temps de chanter l'infini de l'attente, Bévinda devient naturellement une des grandes voix contemporaines de cette musique si particulière, à fleur d'âme.

Après cinq albums studios entre 1994 et 2001 et un album live en 1998, elle s'entoure pour son dernier opus, " Luz " (lumière), d'une nouvelle équipe musicale et nous mène à un croisement musical orient-occident, vers des voyages orientaux inspirateurs pour une écriture lusophone loin des chemins traditionnels, mais toujours en contact avec ses racines...

Bévinda chante Amalia Rodrigues, Fernando Pessoa, ses propres mots et ceux de sa mère Marie de Lourdes, sur ses musiques ou celles de son arrangeur Lucien Zerrad. Sans rien perdre de sa poésie et de son romantisme ("Ilha", "Filha da Luz"), l'écriture de Bévinda, se fait plus acide lorsqu'elle décrit certains faits de notre société en mal de vivre ("Felicidade", "Aparecida", "Liberaçào").

Migration d'un fado imaginaire, rêvé, navigant sur des caravelles contemporaines, voyage lusophone aux escales atlantico-méditerranéennes, nostalgie en errance, "Luz" est la lumière qui guide les pas de cette exploratrice sans cesse en quête de nouvelles aventures musicales.

Discographie :

" Fatum " Celluloid / 1994

" Terra e Ar " Celluloid / 1996

" Pessoa em pessoas " Celluloid / 1997

" Bévinda à la Chapelle des Lombards - Live " 1998

" Chuva de Anjos " 2000

" Alegria " Celluloid / 2001

" Luz " Celluloid / 2003

 

© Copyright Le Satellit Café, 2005.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, juillet 2006.

Peter Finger

Guitare

Le succès de l’International Guitar Night (14ième tournée en Allemagne et deuxième en France) ainsi que les demandes qui se succèdent, nous incitent à vous proposer notre spectacle pour vous faire partager une soirée inoubliable avec des guitaristes internationaux exceptionnels.
Quatre musiciens présentent à tour de rôle, ensemble ou en duo une variété fascinante de musique contemporaine pour guitare. Un spectacle intense ou l’entente musicale et la fusion des genres n’enlèvent rien à la personnalité de chaque artiste.

PETER FINGER (D) : pour les fans de la guitare acoustique, le nom de Peter Finger est incontournable. Depuis les années 70, il jouit d’une réputation incontestée sur la scène acoustique internationale.

Né à Weimar en 1954, son père chef d’orchestre, lui fait étudier le piano et le violon dés l’âge de 5 ans. Vers 13 ans, il découvre le Fingerpicking et apprend à jouer de la guitare en autodidacte.

A 19 ans, découvert par l’Américain Stefan Grossman, il enregistre son premier album„Bottleneck Guitar Solos“ pour Kicking Mule Records. A partir de 1976 débute sa carrière internationale. De nombreuses tournées l’emmènent en Europe, en Amérique du Nord, en Asie et en Russie.

Depuis, plus de 15 albums ont reçu l’éloge de nombreux critiques du monde entier Son univers musical enrichi par une curiosité inépuisable de tous les genres, classique, jazz, blues ou folk et la maîtrise parfaite de son instrument, en font un talent unique sur la scène acoustique.

Peter Finger présente une profondeur musicale, une énergie rythmique et une ampleur dynamique rarement atteinte chez un soliste. Dans son parcours, des noms prestigieux l’accompagnent: le vibraphoniste Florian Poser, le saxophoniste Charlie Mariano, et le fantastique percussioniste Trilok Gurtu. En 1988, il fonde le label Acoustic Music Records, spécialisé en guitare acoustique, ou de nombreux collègues trouvent refuge. En 1995, il devient éditeur du magazine Akustik Gitarre.
En plus de ses activités dans son studio d’enregistrement, il participe à des productions pour la télévison et pour des radios allemandes. En 1998, il inaugure son festival annuel de guitare (Open Strings), toujours existant.

La revue Guitarist Acoustic affirme : « C’est un guitariste unique tant par son parcours que par son univers musical.»

© Copyright Le New Morning, 2008.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, janvier 2008.

Glenn Ferris

Trombonne

Né en 1950 à Hollywood ; dès l’age de huit ans, il entreprit des études de Musique Classique et Instrumentale pour Trombone à Los Angeles. Dès 1964, il ajoutera à son cursus classique, des études spécialisées en Théorie du Jazz, Improvisation, Composition et Direction d’orchestre avec Don Ellis. En 1972, diplômé du California Institute of the Arts. Ses études ne l’empêcheront pas de devenir un musicien professionnel jouant et enregistrant dès l’âge de seize ans. Il commencera avec le très innovant Don Ellis Big Band, fondera ensuite avec Jack Walrath, le groupe Revival et aussi son propre orchestre de vingt musiciens : Celebration Orchestra. Il va devenir le tromboniste soliste de Frank Zappa, Don Ellis, Harry James, Billy Cobham, Bobby Bradford entre autres et lors de tournées internationales et de festivals, il jouera et enregistrera aussi notamment avec George Duke, Philly Joe Jones, James Taylor, Stevie Wonder, John Scofield, Art Pepper… Et comme la Presse, unanime, l’a souligné : “Vingt ans après avoir quitté les États-Unis pour s’installer en France, Glenn FERRIS est le tromboniste le plus accompli, un des musiciens les plus importants de sa génération et le grand rénovateur du trombone aujourd’hui. Si sa carrière américaine a fait de lui un instrumentiste de dimension internationale, en Europe, de par le grand nombre de ses collaborations, prestations et enregistrements avec entre autres : l’Azur Quartet et Quintet de Henri Texier, Le Collectif Palatino Quartet, Michel Petrucciani, Joachim Kühn, Quincy Jones, Archie Shepp, Steve Lacy, Enrico Rava, Franco D’Andréa, Martial Solal, Louis Sclavis, Michel Portal, le Glenn FERRIS Trio, le Glenn FERRIS “Chrominance” trio, sa carrière française l’a définitivement installé au sommet, avec les grands.” Depuis 2000, Glenn FERRIS est Professeur au sein du Département Jazz au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. La discographie de Glenn FERRIS, à l’image de sa carrière, comporte plus de cent enregistrements.

“DJANGO D'OR 2002 - VICTOIRES DU JAZZ” (France) pour le BFG Trio et son album “Here & now” (naïve Records, 2001). “GRAND PRIZE“ of “STRADE del CINEMA“ Film Music International Festival 2002 - AOSTE (Italy) for Original Music and Performances of the GLENN FERRIS TRIO

Contacts promo naïve 01 56 02 20 00 - www.naive.fr

 

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Nina Ferro

Chant

 "Ms Ferro's Mellifluous voice reflected her warm personality...As Bob Hope said of Dinah Shore: "Naturally the voice is good. Just look where it's been." - Jack Massarik, Evening Standard, London.

Nina Ferro is recognised as one of the world's finest vocalists. Her wealth of experience has seen her perform throughout North America, Europe, Asia and Australia and has appeared with some of the great artists including Tony Bennett, Hugh Jackman, Ricky Martin, James Morrison, Renee Geyer, Kate Ceberano. Performed alongside masters including Gil Askey, Howard Alden, Les Paul, Jake Hanna, John Sheridan, Warren Vache, Ken Peplowski, Dan BarrettDave Sanborn, Renee Geyer, Chris Botti, Chick Corea, Monty Alexander, Eddie Floyd, Gary U.S. Bonds,Billie Ocean, Steve Tyrell, as well as appearences with The Australian Pops Orchestra, The Melbourne Symphony Orchestra, The Commitments, The Cat Empire. Nina's guest appearances with the Jim Cullum Jazz Band has resulted in over 30 performances being aired (several live to air) on Public Radio International all accross the USA. Nina is also featured on albums with the Jim Cullum Jazz band featuring collaborations with Dick Hyman and guests Benny Carter, Carol Woods, Topsy Chapman and Joe Williams. Her own albums have received rave reviews worldwide.....

"Ferro's voice is a pleasure to hear... She sounds natural, sexy and effortless."
 - Jerome Wilson, Cadence Magazine, New York.

"Nina Ferro may be an unfamiliar name to some in the US but that won't last long. Nina's voice is smooth, consistent and rich. Her energy and feeling for the music is fresh and infectious. The US will want to hear more of this stellar vocalist." - Paul Pearce, Bass World Magazine, USA.

This soul-full songstress has a quality of tone, honest emotion and technique that is rarely found in today's music. Her performances are nothing short of inspirational. Her energetic style and musical grace ensure an entertaining and powerful evening of music from slick Jazz Standards, sultry soul as well as her own original compositions.

"What an amazing voice, a stand out performance."
 - Hugh Jackman.

Nina's unique interpretation of jazz and soul repertoire never fails to impress both in intimate settings and on the concert stage. Whether appearing live or on television, from Jazz Clubs to large international festivals all over the world, she embodies the epitome of style.

"Nina Ferro is considered the Dom Perignon of Jazz.. bubbly, cool and very, very good!"
 - Marty Fields.

www.ninaferro.com

 

© Copyright Le Franc Pinot, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, août 2007.

Boney Fields

Trompette

Voilà plus de 20 ans que le trompettiste et chanteur Boney Fields écume la scène blues, funk et jazz du monde entier. Né en 1958 dans les quartiers Nord de Chicago, c'est là qu'il débute à la fin des années 70, influencé par James Brown, Earth Wind & Fire et Bootsy Collins pour le Funk, Armstrong, Miles et Clifford Brown pour le Jazz. Après 1981, date à laquelle Jimmy Johnson lui offre son premier engagement, sa carrière s'envole ; il accompagne Smokey Wilson, Albert Collins, Buddy Guy, James Cotton (dont il est l'arrangeur), Little Milton, Junior Wells et Kenny Neal. Il dirige le groupe de Lucky Peterson, puis s'installe à Paris et rejoint le groupe du regretté Luther Allison, tout en se produisant avec son fils Bernard Allison.
Depuis, ce maître du groove, remarquable showman, a créé son propre gang « The Bone's Project », s'entourant d'une brochette de talents européens.

« Boney Fields, shouter sensuel dont la trompette funky vaut à elle seule la section cuivres de James Brown. Celui-là, faudrait pas le rater. On y sera. » (Libération, 2002)
« Le trompettiste et chanteur Boney Fields nous donne un magnifique exemple de blues funk moderne. » (Jazz Hot)

Faut il encore présenter Boney Fields ? Toujours un pied en dehors des limites du blues, Boney se plait à visiter le rhythm'n'blues mais aussi le funk, le jazz et pourquoi pas le reggae pour nous en mettre plein les yeux et plein les oreilles !
Showman émérite, Boney Fields fait résonner sa trompette sur des arrangements particulièrement bien pensés et fait le spectacle avec une section de cuivres omniprésente. Derrière eux, on remarque un petit génie de la six cordes, sorte de croisement de Jimmy Hendrix et de Kéziah Jones.

Passé maître dans l'art du funky blues, le trompettiste dreadlocké est également un chanteur hors pair et ne manque pas de nous régaler de sa voix rocailleuse et de ses effets spéciaux au résultat immédiat.
Alors, Boney Fields : blues ou pas blues ? Assurément blues !

 

© Copyright Le New Morning, 2006.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, septembre 2006.

Les Fleurs Noires