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DADAGABY
Chant, Tambour
Dadagaby est une légende
vivante du folklore malgache. Il a fondé la troupe "Ny Voninavoko",
il y a 37 ans et le groupe en est déjà à sa 7e génération. Ce
groupe connaît les moindres détails de la danse folklorique malgache,
et il est intarissable quand il raconte les différentes danses
traditionnelles ; à savoir les bahoejy, salegy, basesa, hôsika et
tsapike. Il mériterait même qu'on lui donne le titre d' « encyclopédie
de la danse folklorique malagasy ».
La troupe a parcouru
le monde entier afin de faire partager la beauté du folklore malgache
aux autres peuples de la planète. « Ny Voninavoko » maîtrise
quasiment les danses traditionnelles de toutes les ethnies Malgaches.
Le folklore présenté par "Ny Voninavoko" n'est pas une
improvisation, mais commence par l'observation de l'environnement
entourant la musique et la danse.
On peut dire que le
groupe "Ny Voninavoko" est la référence en matière de
danse folklorique malgache. Il offre ainsi une démonstration de danses
et d'instruments traditionnels (valiha, tsipetrika, sodina...), ainsi
que des divers visages du "lamba".
Ses instruments
(xylophones, valihas, jeux de sifflets, percussions...) et l'habilité
de son art ne cessent de surprendre le public. La coiffure, la musique
mais aussi les costumes, concourent à faire ressortir l'originalité
de chaque chorégraphie. Des représentations exceptionnelles à plus
d'un titre permettent de découvrir l'identité culturelle de son
peuple et de son pays. Grâce à eux nous parcourons en une soirée
Madagascar du nord au sud et d'est en ouest.
Vous l’aurez
compris, Dadagaby représente Madagascar à l’état pur. Sincères,
chaleureux et joyeux, ses chants ainsi que ses danses vous transportent
dans un voyage intemporel à l’autre bout du monde.
© Copyright Le Satellit Café, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
mai 2007.
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Bako Dagnon
Chant
Mémoire vivante d’une culture
populaire ancestrale, Bako Dagnon est sans nul doute l’un des secrets
les mieux gardés de la musique malienne ...
Premier album sous son nom, Titati symbolise la rencontre de deux
cultures, entre Afrique et Occident. Celle qu'Ali Farka Touré venait régulièrement
consulter pour sa connaissance de l'histoire mandingue nous dévoile
ici un sens aigu de la mélodie et une voix unique.
Pionnier des productions maliennes, le réalisateur François Bréant
enrichit cette musique d'arrangements intégrant violon, flûte et
harmonica qui confèrent une étonnante modernité à ces chansons
traditionnelles ...
Avec Titati, Bako Dagnon offre là un véritable album de chanson
contemporaine et contribue avec bonheur à faire évoluer de l'intérieur
la tradition.
DERNIER ALBUM : TITATI - OCTOBRE 2007 - SYLLART/DISCOGRAPH
Situé au cœur d’un continent où la musique est reine, le Mali fait
figure de pays phare de la musique africaine, ayant donné naissance à
certains des plus grands musiciens et artistes du continent. La musique
y véhicule des sensations rares, vécues comme une sorte
d’exaltation nationale, à travers la générosité de ses musiciens
et chanteurs, mais aussi par le biais des griots détenteurs du secret
des émotions et de la magie du verbe. Héritière de la tradition
griotique apprise auprès de ses parents, Bako Dagnon est l’un des
secrets les mieux gardés de la musique malienne contemporaine.
Originaire du village de N’Golobladji, dans la région de Kita, au
Sud-Ouest du pays, Bako suivait sa mère très jeune lors des cérémonies
de mariage et de baptême, où elle apprenait des traditions remontant
à l’Empire mandingue du treizième siècle. Après le coup d’état
de 1968, le nouveau président Moussa Traore instaura l’exaltation
des racines musicales de son pays. La musique malienne devint alors
encadrée et délimitée selon le modèle de la république voisine de
Guinée et de la politique culturelle volontariste de son président
Sekou Touré.
Au Mali, les semaines locales, puis régionales,
débouchent alors sur les biennales artistiques et culturelles qui ont
lieu au niveau national. Après s’être fait remarquer lors des premières
semaines locales de Kita, Bako interprète l’historique Yiri Kolo
lors de la Biennale de la Jeunesse à Bamako en 1972. Elle devient
instantanément la voix des griots de Kita. Par le biais d’un
apprentissage poussé de l’arbre généalogique des vingt-sept
ethnies maliennes, de leurs origines et de leurs histoires, elle acquière
une connaissance encyclopédique à la fois des langues, des cultures
et des traditions de son pays. Nombreux sont ceux qui viennent à elle
afin de lui demander conseil. Jusqu’à sa mort, Ali Farka Touré
venait ainsi la consulter sur le sens de certains mots et l’histoire
de certaines chansons. Elle incarne véritablement la mémoire vivante
d’une culture populaire où se mêlent exploits des guerriers, généalogie
pluri-séculaire, louanges des souverains et souvenirs d’illustres
musiciens. En 1974, remarquée par l’ancien ministre de la Jeunesse
et des Sports, elle est recrutée au sein de l’éminent Ensemble
Instrumental du Mali dont elle sera membre dix ans durant.
Cet orchestre traditionnel a toujours
porté haut les couleurs de la musique malienne, d’Alger à Lagos,
permettant l’émergence de chanteurs et d’instrumentistes de
premier rang. En compagnie d’autres grandes chanteuses, souvent
baptisées ‘cantatrices’ comme Mogontafé Sacko, Sarafing Kouyaté,
Wandé Kouyaté ou Nantenedie Kamissoko, Bako Dagnon contribue à
propager la riche tradition vocale malienne grâce à la témérité et
la profondeur de ses inflexions vocales. Bako partage alors ses secrets
vocaux à une autre future grande diva malienne, Kandia Kouyate.
Monument de la musique malienne et figure historique de la culture
nationale, Bazoumana ‘Vieux Lion’ Sissoko fait chanter Bako chez
lui régulièrement, ne pouvant se passer de l’authenticité de son
chant, lui qui pourtant incarne la musique malienne dans ses racines
les plus profondes. Un titre en particulier, Tiga Môgnonkô, devient
une référence nationale.
Jamais aucune compagnie de disques
n’a pu diffuser correctement sa musique en dehors du Mali. En la
signant sur Syllart, Ibrahim Sylla lui donne une portée nouvelle, après
avoir apprécié sa participation sur le deuxième album remarquable de
Mandekalou. Jamais édulcoré et terriblement authentique, le chant de
Bako atteint des sommets sur Titati, premier véritable album. Bien
plus qu’une rétrospective sur trente-cinq ans de carrière, il
s’agit d’une découverte stupéfiante, porteur des mêmes émotions
que la découverte d’Oumou Sangaré il y a quinze ans.
Produit par François Bréant,
pionnier des productions maliennes depuis le succès de Soro de Salif
Keita en 1987, cet album est donc le sixième disque de Bako, mais le
premier à sortir en dehors du Mali. Il s’agit de l’une des dernières
réalisations du studio Bogolan d’Yves Wernert, avant que celui-ci ne
quitte Bamako. La plupart des chansons ont été enregistrées en prise
directe, à base essentiellement de guitares acoustiques. D’un style
déclamatoire, naturel et expressif, elle habite totalement ces douze
morceaux. Pour Bako, « une chanson ne se finit jamais ». Lorsqu’on
la rencontre au bord du Niger, impassible dans son boubou bleu et rose,
l’œil malicieux, le verbe économe et le poids d’une tradition
pluri-séculaire sur ses épaules, on sait ce que ces paroles
signifient. Ces titres s’enchaînent comme on tourne les pages d’un
livre.
Ce disque entier obéit à la volonté
impérieuse de raconter des histoires précises et de faire appel à
des circonstances exceptionnelles par un respect authentique de la
tradition dans laquelle elle a grandi et qui l’inspire. Elle y évoque
à la fois la tradition des troubadours (Toubaka), l’amour (Titati),
la femme dans toute sa splendeur (Sansano Minata), la droiture
d’esprit (Tilemba), les forgerons (Noumou) ou la bravoure du chasseur
(Donsoké). Elle revisite ici son historique Bélé Bélé, composé en
1972, un émouvant hommage maternel porté par des chœurs féminins
magnifiques. Les cordes de Salimou, hommage à un descendant du prophète,
renvoient à la grande musique égyptienne et donnent une portée
panafricaine au morceau. Accompagné par une guitare acoustique aux
accents flamenco, elle rend un hommage bouleversant au griot historique
Bakary Soumano, ami de son père, sur Bounteni, sommet de l’album et
déjà classique de la musique mandingue.
Il va sans dire qu’attendre trente-cinq ans de carrière pour un résultat
aussi bouleversant n’était qu’une gageure. Bako Dagnon accède ici
instantanément au panthéon de la musique malienne.
© Copyright Le New Morning, 2008.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
janvier 2008.
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Mélanie Dahan
Chant
« La scène est
pour moi un moment privilégié de partage où ma sensibilité rencontre
celle du public. Instant unique et magique… Merci au public… »
(Mélanie Dahan)
Récemment
nominée aux Révélations Jazz à Juan 2005 et jeune espoir du jazz
vocal français au festival Les Couleurs du Jazz 2005, la swinguante Mélanie
Dahan étire à souhait le fil rouge du jazz pour vous aiguiller à
travers un voyage riche en musique et en émotions…
Travail et passion, tels
sont les maîtres mots qui illuminent le parcours de cette jeune
artiste.
A
11 ans, elle intègre la troupe des Gavroches. Elle y apprend
l’art de la comédie musicale et du spectacle de rue.
Le jazz, c’est
l’histoire d’une rencontre. Un coup de foudre pour deux artistes,
deux prophètes : Ella Fitzgerald et
Nat King Cole.
Mélanie
Dahan décide alors de suivre leur chemin. Elle s’inscrit au
Studio des Variétés qui lui délivre une solide technique vocale,
puis à différentes écoles de jazz, l’IACP et la Bill
Evans Piano Academy où elle parfait son apprentissage du jazz
au côté de Sarah Lazarus.
Ecumant tout d’abord
les concerts dans les clubs parisiens où
elle découvre les « ficelles » du métier, elle effectue
ses débuts professionnels en 2003.
Choriste
pour Keren Ann, elle participe à de nombreux festivals au
sein de différentes formations (Crest 2003, Dinard 2004, Juan-les-Pins
2005).
Depuis 2007,
elle prépare un album en quartet avec le pianiste
Giovanni Mirabassi.
Révélation
jazz vocal pour l’édition 2005 des Couleurs du jazz, elle
revient à Corbeil-Essonnes pour la troisième fois avec un répertoire
toujours aussi métissé : swing, blues, musique latine et chanson
française.
Site officiel : http://www.melaniedahan.com
© Copyright Les Couleurs du Jazz, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
mai 2007.
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Julio Dain
Chant,
Composition
Julio Dain est un
compositeur, chanteur et instrumentaliste brésilien, né à Rio de
Janeiro, où il prit goût à la musique et à la poésie.
A 23 ans, il partit
en Europe, emportant dans ses bagages ses principales influences, situées
entre la MPB (Musique Populaire Brésilienne) et le Jazz.
En France, où il
s'est installé depuis 8 ans, il a composé la plus grande partie de
son répertoire, soit à peu près 40 chansons et quelques thèmes de
jazz. En Europe, ainsi qu'au Brésil, son travail et l’originalité
de ses textes sont très appréciés par ses pairs ainsi que par la
presse spécialisée en musique brésilienne.
Son premier disque,
Outro Vento (Autre Vent), autoproduit en France, devrait sortir très
prochainement au Brésil. Un album aux rythmes envoûtants qui devrait
séduire le public brésilien.
Entre chansons en
portugais et morceaux instrumentaux, il crée un « swing »
surprenant, différent, sans perdre les caractéristiques de ses
origines culturelles, dans les paroles, mélodies et harmonies très
riches. Son style musical se situe quelque part entre la musique
populaire brésilienne et le jazz avec une touche de funk et de
musique classique.
Récemment, de
retour à Rio de Janeiro, il a reçu le prestigieux prix « Petrobràs
Cultural 2007 », qui lui donne les moyens de réaliser son deuxième
album, Ficçao Cientifica (Science Fiction). Un album très attendu,
actuellement en préparation.
DISCOGRAPHIE
-
Outro Vento (Autre Vent) –
CD autoproduit en France, qui devrait sortir début 2008 au Brésil.
-
Ficção Científica (Science
Fiction) – CD en cours de réalisation, prix "Petrobrás
Cultural 2007".
LA PRESSE EN
PARLE
« Un brésilien
hors des sentiers battus... Julio Dain ne joue pas des clichés, et
c’est tant mieux. Son répertoire, personnel, emprunte autant à la
musique brésilienne qu’au jazz ou la musique classique. Et les
textes de ce poète sont inspirés ; ce qui fait qu’on insiste :
il est à découvrir. » Nova 2003
SITE INTERNET
© Copyright Le Satellit Café, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
décembre 2007.
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Xavier Damoisy
Guitare
C'est vers l'âge de 10 ans que Xavier
découvre le Rock'n Roll en entendant CHUCK BERRY scander
"Hail ! Hail ! Rock'n Roll". Il en comprend la portée un
peu plus tard en écoutant JOHN LENNON hurler "Revolution"
avec les BEATLES. Vers l'âge de 16 ans, il se décide à
jouer de la guitare après avoir vibré sur les larsens d'ALVIN LEE sur le titre "Rock'n Roll Music To The
World'". Depuis 1986, envoûté par la "musique du diable",
il cherche le moyen de lui vendre son âme.
Avec le groupe DOUBLE DOSE, il écume bars et salles
obscures du Nord-Pas-de-Calais et du Sud de la Belgique
(plus de 250 concerts et 3 albums).
En 1994, il déniche une compil' de CREEDENCE CLEARWATER
REVIVAL, véritable mine de tubes et de chansons Rock, et
se passionne depuis pour ce type de répertoire composé par
JOHN FOGERTY. CCR est pour lui l'excellent compromis entre
la sensibilité du Blues et l'énergie du Rock, enrobé de
mélodie à base de Country et de Folk. Il est, avec Thierry
Farasse, le membre fondateur du groupe créé en
1995.
© Copyright Jazz en Artois, 2006.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
septembre 2006.
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Gilles-Marc Dardenne
Piano,
Composition
Né
à Casablanca, longtemps dans le business des
finances, Gilles-Marc Dardenne décide à 33 ans
de s'affronter aux saxophones. Après deux ans d'un
travail solitaire en autodidacte, joue en formation avec
Louis WINSBERG et Olivier RENNE. Il démissionne des
affaires, et son itinéraire musical débute. Un
festival est l'occasion d'une longue collaboration avec
Siegfried KESSLER qui durera jusqu'au vol de ses saxophones,
commis de surcroît juste après deux
prestations aux côtés de la chanteuse Abbey
LINCOLN en 1983. Il se remet donc au piano en attendant.
C'est plus lourd ! Tant aux saxophones qu'au piano, des
rencontres inoubliables se sont échelonnées :
John Hicks, Kenny Clarke, Roy Haynes, Marvin Smith, Kenny
Werner, Mal Waldron, Ralph Moore, Santi De Briano, Avery
Sharpe, Claude Mouton, Bob Drewry, etc...
1984. Deux concerts avec Marion BROWN,
avec son premier trio (Bob DREWRY, contrebasse et Jean-Luc
BARBIER, drums). 1987. Le 17 juillet, une collaboration,
qui dure toujours avec Byard LANCASTER,
commence.
1991. Il accompagne
la chanteuse jamaïquaine Anna ISLINGTON (contrat CNMHS
-- Ministère de la Culture). Depuis 1991, il se produit
régulièrement avec Sunny Murray, Richard Raux,
Rasul Siddik, James Lewis (près de 50 concerts en
trio avec Sunny). 1992. Création de " Et il sculpta
la danse " à l'abbaye de Montmajour (Ministère
de la Culture) avec la danseuse Maroussia VOSSEN, pour le
cinquantenaire de Camille CLAUDEL. 1995. Il improvise sur les images du film
d'OZU " Gosses de Tokyo " pour le centenaire du
cinéma (Festival de cinéma "
Itinérances", Le Crater
d'Alès).
1996. Fondation du
trio avec Steve PHILIPS et James LEWIS (Paris).
1997. Concert au Théâtre du
Cratère (scène nationale) pour le centenaire
du Jazz avec Archie SHEPP, et George BROWN en remplacement
de Steve PHILIPS. 1998. Rencontre avec Oliver JOHNSON
suivie d'une série de concerts jusqu'à son
assassinat à Paris, le 6 mars 2002. (...)
1999. Tournée de 5 concerts de
soutien pour Mumia ABUD-JAMAL avec Sunny MURRAY et Byard
LANCASTER. 2001. Il compose la musique de deux films,
commandés par le Ministère de la Santé
pour une campagne contre le SIDA (scénario de Rachida
KRIM. Il compose " Amïan " (anagrame de " Naïma
").
2002. Deux
concerts " all stars " Off Printemps du Jazz à
Nîmes avec James CARTER et Sunny... Invité
à New York par Elie FONTAIN. 2003. Programmé par Jazz-Passion
pour l'inauguration d'une série de concerts au
Théâtre La Comédia à Paris : en
Trio avec Sunny MURRAY et Benjamin DUBOC puis avec Byard
LANCASTER avec en invités : Michal BECHAM (vocal) et
Rasul SIDDIK (trompette), suivi d'un concert au " 7
Lézards " avec Byard LANCASTER et Michal BECHAM, puis
d'une tournée dans le Sud de la France avec John
BETSCH dans le cadre du Festival Itinérant. En
octobre, tournée du Sunny MURRAY QUARTET avec Rasul
SIDDIK et Farris SMITH Jr., et le mois suivant avec la
chanteuse Cynthia McPHERSON (cousine de Thelonious MONK).
2004. Invité pour une heure de
radio à Paris (ALIGRE F.M.) le 19 juin, et concert au
club " Le 7 Lézards " le 20 juin à 19h.
Entre-temps, son
itinéraire est entrecoupé par des pianos solos, en particulier en Allemagne, en Suisse et à
Londres.
Ses maîtres sont Art
Tatum, Thelonious Monk, Bud Powell, Lester Young, John
Coltrane .
Son travail n'est
basé sur aucune méthode sinon celle de
l'oreille. Il préfère composer.
Discographie
:
- album " TREE
FOR BIRD ", Hazard and Spirits (For Mal WALDRON), 2001.
- un CD en trio est prévu prochainement.
- projet : deux CDs " BYARD LANCASTER QUARTET " (concert
enregistré à La Comedia).
Informations
complémentaires sur le serveur Internet de
Jazz-passion :
<www.positifs.org/jazz-passion>
Contacts
:
E-mail
:
gillesdardenne@wanadoo.fr
Tél
: 04 66 81 03
83
Lancaster_7L_DP_02
Photo Pierre Delgado
Lancaster_Simmons_7L_GM_02
Photo Gilbert Maurisson
Lancaster_After_GM_03
Photo Gilbert Maurisson
Dardenne_fl_GM_03
Photo Gilbert Maurisson
Voir aussi
:
Gilles-Marc
Dardenne trio accompagne avec Cynthia
McPherson
To
Oliver Johnson
© Copyright
Gilles-Marc Dardenne, 2004.
Page maintained by Christian Boullangier for Jazz-Passion, juin 2004.
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Marie Daulne
Voix
NOUVELLE SIGNATURE DE L'ARTISTE
WORLD CHEZ HEADS UP INTERNATIONAL / UNIVERSAL JAZZ
Supermoon : sortie le 22 octobre 2007
Heads Up International, leader de l'industrie musicale dans le domaine
de la World Music et du jazz contemporain, vient d'annoncer la
signature d'un contrat d'exclusivité pour les enregistrements de Zap
Mama, la chanteuse belge nominée aux Grammy Awards dont le premier
album pour le label, Supermoon, devra sortir le 22 octobre 2007.
Née au Congo mais élevée en Belgique, Zap Mama – de son vrai nom
Marie Daulne – entame une carrière qui l'emmène sur tous les
continents; elle attire des milliers de fans en présentant au public
son héritage musical - fusion de cultures musicales – grâce au
merveilleux dynamisme de sa voix, sa musique et ses dons d'interprète.
Supermoon est un mélange
attachant de musiques world, soul, pop et jazz - et bien d'autres
nuances subtiles – où l'on trouve à ses côtés de nombreux invités
venus des quatre coins du monde : batteur Tony Allen ; bassistes
Meshell Ndegeocello et Will Lee ; guitaristes David Gilmore et Michael
Franti ; pianistes Leon Pendarvis, Daniel Freiberg et Robbie Kondor ;
percussionniste Bashiri Johnson, et bien d'autres. C'est sans doute
l'album de Zap Mama le plus émotionnellement honnête, le plus intime
de toute sa discographie depuis quinze ans.
“ Ce disque et ce partenariat avec Heads Up représentent un deuxième
commencement, aussi bien pour moi que pour ma carrière,” dit Marie.
“Il restait tellement de choses dans ma musique et en moi-même que
je voulais partager avec le monde, et maintenant j'en ai l'occasion.
C'est un disque très intime. On peut me voir en gros plan. J'espère
que l'on pourra ressentir cette intimité que les gens comprennent.
J'ouvre la porte pour montrer qui je suis.”
« Marie Daulne, la chanteuse Belgo-Congolaise qui devient Zap Mama
en studio, est un village mondiale à elle seule - un village souvent
en fête. Son nouvel album, Supermoon (Heads Up International) est
rempli de messages joyeusement généreux. Dans 'Affection', elle
ordonne 'Share It!' (Partage!) La musique suit avec un assortiment
international de grooves, du funk au jazz, de percussions à la Steve
Reich à la chanson la plus aérienne de toutes: l'électrifiant 'Gati'
dans un style question-réponse à la Pygmée. C'est un heureux
paradoxe ces chansons aux milles et une voix puisse être l’oeuvre
d’une seule personne.»
The New York Times
« Le dernier album du groupe de la vocaliste Marie Daulne, native
du Congo qui grandit en Belgique, est un mélange addictif d'Afro Pop
et de musique urbaine américaine. Ses histoires racontées habilement
et son style vocal sophistiqué sont captivants, et la large palette
sonore du groupe le rend inclassable. Qu'ils jouent des ballades
intimes ou des effusions de club jams, les Zap Mama ont un son qui leur
est propre. »
USA Today
« Supermoon, le nouvel album de Zap Mama, est aussi chaleureux, énergisant
et innovant qu'auparavant. Il proclame l'estime de soi avec ou sans
diamants. 'Je ne suis pas une superstar... je suis une supermoon.' Dans
un monde où tout se mesure au look, aux chiffres et à l'obsession de
célébrité, être une supermoon semble bien plus suprêmement céleste
et éternel que l'état transitoire de simple étoile. »
Associated Press
« Dirigé par Marie Daulne, Zap Mama
signe une toile vocale peinte de douces et tendres mélodies et de
rythmes africains, européens et américains. Zap Mama commença comme
groupe a cappella puis, à la fin des années 90, Daulne, Zaïroise
d'origine belge, ajouta des instruments. En cette décennie, elle
collabora avec des membres de la scène Hip hop de Philadelphie. Amir ?uest
Love Thompson (The Roots), Common et Erikah Badu apparaissent sur
Ancestry In Progress, l'album précédent du groupe sorti en 2004.
Supermoon, le nouveau disque, offre un casting encore plus riche en
personnages dont le batteur Tony Allen, les bassistes Meshell Ndegéocello
et Will Lee, et les guitaristes david Gilmore et Michael Franti. »
The New Yorker
© Copyright Le New Morning, 2008.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, janvier
2008.
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Pierre De Bethmann
Piano
Né en 1965 à
Boulogne-Billancourt, Pierre de Bethmann commence sa formation musicale
à 6 ans en apprenant le piano classique, et découvre progressivement
le monde du jazz à partir de 12 ans. Poursuivant parallèlement ses études
générales et sa formation musicale (classique et jazz), est diplômé
de l'ESCP (Ecole Supérieure de Commerce de Paris) en 1987, étudie un
an au Berklee College of Music (Boston - USA) en 1989, et remporte avec
Prysm le 1er prix du Concours National de Jazz de La Défense en 1994.
Ayant entamé une carrière de conseil en management de 1990 à 1994,
il change radicalement d'orientation pour devenir musicien
professionnel en 1995, un an après avoir fondé le trio Prysm avec
Christophe Wallemme et Benjamin Henocq. Depuis 1997, Prysm a connu une
activité très importante, aussi bien scénique (plus de 50 concerts
par an, dont 3 tournées aux Etats-Unis, au Japon et au Moyen Orient)
que discographique (4 albums parus chez Blue Note).
Il forme en 2001 son
nouveau 5tet ilium, avec lequel il développe un tout nouveau répertoire
bâti autour du fender rhodes, et tourne beaucoup sur diverses scènes
françaises ; un 1er album sort en avril 2003, chez Effendi au Canada
et en Amérique du Nord, et Naïve en France et en Europe.
Parallèlement, il développe
une intense activité de sideman à partir de 1998 : membre régulier
des différentes formations d'Olivier Ker Ourio, Stéphane Huchard, et
David El Malek ; jouant occasionnellement avec notamment Eddie
Henderson, Aldo Romano, Philip Catherine, François Jeanneau, Patrice
Caratini, Stefano di Battista, Flavio Boltro, Sylvain Beuf, François
Théberge, Julien Lourau, François et Louis Moutin, Norma Winstone,
Sarah Lazarus...
Il expérimente d'autres
genres musicaux à l'occasion de projets spéciaux : accompagnant ainsi
avec Prysm le chanteur américain James Taylor pour une partie de sa
tournée américaine avec orchestre symphonique en 2000, la chanteuse
brésilienne Marcia Maria pour une tournée en France en 2001, ou
encore le chanteur réunionnais Danyel Waro pour la résidence "Somminker"
avec Olivier Ker Ourio en 2002.
Il enregistré en tout
cinq disques en leader ou co-leader, avec Prysm puis ilium, et une
dizaine en sideman avec Olivier Ker Ourio, Stéphane Huchard, David El
Malek, Jean-Loup Longnon, Jean- Christophe Béney, et le big band Quoi
de Neuf Docteur.
Il enseigne également,
depuis 2000, comme intervenant régulier au Conservatoire National de
Montpellier, et au Centre des Musiques Didier Lockwood.
© Copyright Le New Morning, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, octobre
2007.
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Hamilton De
Hollanda
Bandolim
Né en 1976 à Rio de Janeiro, il part tout petit vers la capitale, Brasilia,
où, pour ses cinq ans, son père et musicien José Américo, lui offre un "
bandolim", la mandoline brésilienne. Son chemin était tracé. Aujourd'hui, à 26 ans dont vingt-et-un d'étude et de pratique du
bandolim, Hamilton de Holanda est un musicien reconnu au Brésil. Sa personnalité musicale puise ses sources tant dans le répertoire classique que dans celui du jazz ou de la Musique Populaire Brésilienne.
(Dossier de presse, Sunside, juin 2003)
© Copyright Sunside, 2003.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
septembre 2006.
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Alfredo
De La Fé
Violon,
Composition
Alfredo De La FÉ, est né à la Havane (Cuba), le 6 février 1954. Compositeur, arrangeur, directeur d’orchestre, producteur et surtout violoniste virtuose, il a contribué à tous les genres de la musique afro-caribéenne pendant les 30 dernières années. Formé d’abord au conservatoire Amadeo de Roldán de la Havane, puis en Pologne -à Varsovie- et enfin à New York dès 1965. Tout cela pour une formation classique très solide, comme d’ailleurs de nombreux musiciens cubains. Mais ses racines vont vite le ramener à la musique traditionnelle en particulier, les
charangas. Il va collaborer avec Pupi Legarreta et José Fajardo dans la seconde moitié des années 60. Il joue pour la première fois à l’age de 11 ans, avec Roberto Torres (co-fondateur) de la charanga Broadway. Il participe ensuite à 12 ans à un enregistrement de Pupi
Legarreta. Il continuera ensuite avec Johnny Pacheco, puis avec Javier Vasquez pendant les années 70 et 80.
Mais l’innovation musicale est foisonnante à New York et il rejoint Eddie
Palmieri, une des têtes de file de la salsa new-yorkaise du tout début des années 70 pour jouer avec son groupe, et cela pendant plus de 5 ans. Cette formation est une charanga d’un nouveau type, très énergique grâce à un son très agressif dû au remplacement des trompettes par une section de trombones, type de formation qui prendra le nom de trombanga formé à partir de trombón et de
chatanga, et qui va rencontrer un très grand succès.
Il participe également à la Tipica 73 pendant plusieurs années. Le succès considérable du groupe qui a compté parmi ses chanteurs Jose El Canario Alberto et
Azuquita, a été sérieusement entamé par une campagne de dénigrement organisée par les cubains anti-castriste de Miami. La Tipica 73 fut l’un des premiers groupes à passer outre l’embargo américain contre Cuba en allant enregistrer En Cuba : Intercambio Cultural
à la Havane avec des musiciens cubains. Et cela n’a jamais été pardonné par les cubains pro-embargo et anti-castristes allant jusqu’à écrire que les congas de la Tipica 73 étaient tâchées de sang. Certains membres de sa famille ont refusé de parler à Alfredo pendant des années.
Il a aussi collaboré avec Tito Puente, Israel Cachao López, Orquesta Broadway, Roberto Torres, Libre, et de nombreux grands noms de la Salsa jusqu’à des groupes plus expérimentaux comme le Grupo Folklorico y Experimental
Nuevayorquino.
Il a vécu à Medellin, Colombie, en 1983 pour embrasser de nouveaux genres comme le vallenato et travailler avec des orchestres comme les Latin
Brothers, Fruko y sus Tesos, Wilson Saoco.
Il rejoint la Fania All Stars en 1995, collabore avec Papo
Lucca, (leader de Sonora Ponceña), joue avec l’orchestre de Larry Harlow en 1998, mais reste fidèle à ses formations préférées : les
charangas, en contribuant à Típica Ideal, Orquesta Broadway, Orquesta
Novel, Charanga America.
Sa carrière solo démarre dès 1979 dans un style fusion latin Jazz. Son disque le plus récent est sorti en 2000,
« Latitudes »,
pour renouer avec l’énergie des débuts de la Salsa. La seconde chanson Asomate a la Ventana a été écrite par son propre père. Pour moi ce morceau c’est le son de la charanga du 21ème siècle. Le morceau commence par des pizzicati, avec violon, guitare et de flûte le tout soutenu par les congas, puis le violon reprend la mélodie et le chanteur entre en scène. Le montuno alterne chœurs, improvisation du chanteur et riffs de trombones. Ce morceau, superbe, justifie à lui seul l’achat du disque. Muñeca (composé par Eddie
Palmieri) nous est livré dans une version plus délicate et plus mélodieuse que l’originale. Sandra
Mora, avec une introduction rap, et ses rythmes évoquant la timba est une superbe démonstration adressée aux cubains : que les frères de Nueva-York savent aussi être d’excellents timbaleros -de la bombe pour tous les
DJs. Deux morceaux de la Tipica 73 Xiomara et Que Manera et de nombreuses autres réussites.
Alfredo De La Fé va poursuivre son chemin avec l’ouverture, la créativité et la virtuosité qui le caractérisent. Espérons que les rumeurs de re-formation de la Tipica 73 se matérialisent un jour et en attendant, un conseil, ne ratez surtout pas un de ses concerts.
It is said that in ancient times there was a curandera who collected all the earth’s herbs with the most healing properties and with her magic turned them into one good herb that she later planted to grow as wild
weeds.
If there was such an alchemist who could do that with music
today, it’d be songwriter, producer and multi-instrumentalist bandleader Andres
Levin. And his magic herb is Yerba Buena: a blend of African-rooted Latin music
(Cuban rumba, Colombian cumbia, Pan-Caribbean solca, and Nuyorican
boogaloo) with hip-hop, Motown soul, Nigerian Afrobeat and a dash of Middle
Eastern themes played by an international crew of star musicians that represent the new sounds of the New York city
streets.
Administered aurally, this Yerba Buena’s intensely percussive and infectious beats will lift you and make you
dance. No self-respecting musical Botánica should go without a pouch of
homegrown Yerba Buena stocked on its shelves.
Putting his magic touch on a variety of music since he arrived in 1989 from his native Venezuela to become a
"resident alien," Levin has written and/or produced for artists ranging from Chaka Khan and Tina Turner to David Byrne and Arto Lindsay. His most recent credits include D’Angelo, Macy Gray, Dead
Prez, and Me’Shell Ndegeocello in his role as principal producer of the recent Red Hot + Riot Fela Kuti tribute (Top 10 in NY Times, Time, Rolling Stone & more).
For the past few years, Levin has been in high demand throughout the fast-growing world of Latin alternative music, producing albums for
Aterciopelados, Los Amigos Invisibles, El Gran Silencio, Ely
Guerra, Carlinhos Brown, and Jorge Moreno, as well as producing key tracks with Caetano Veloso and Marisa Monte.
For Yerba Buena, Levin was introduced to key players by Cuban music songwriter Ileana Padrón.
Seizing a moment where the purveyors of the sounds from Lagos, Havana and New York City were at his
arms’ reach, he brought them to his funhouse, The Fun Machine Studios in
Manhattan, to create a distinct and innovative urban Latino sound only hinted at before by like-minded groups such as El Gran
Silencio, Ozomatli and Manu Chao’s Radio Bemba Sound
System.
© Copyright
Gilles-Marc Dardenne, 2004.
Page maintained by Christian Boullangier for Jazz-Passion, juin 2004.
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Deleyaman
Aret Madil
Béatrice Valantin
Mia Björlingsson
Gérard Madilian
À l’automne 2000, le travail de l’américain d’origine arménienne Arat Madil (chant, claviers, saz, percussions) rencontre la voix de Béatrice Valentin (chant). Rejoints par Mia Björlingsson (batterie) et Gérard Madilian
(doudouk, shêvi), ils fondent Deleyaman. Ces quatre membres d’origines diverses qui habitent en France, signent chez le label Nech basé à Paris. Après deux albums sortis en 2001 et 2003, Deleyaman « 3 » est dans les bacs depuis septembre 2006 (Nech/Season of Mist).
Deleyaman a été choisi pour représenter la culture arménienne sur le site « les langues de France en chansons » créé par le hall de la chanson à la demande du Ministère de la Culture.
Loin d’être un groupe de musique traditionnel, Deleyaman essaie de donner aux instruments qu’il utilise une nouvelle dimension et un espace sonore inhabituel. Très attachés à leurs racines, c’est un réel chant d’amour pour leurs terres et leurs origines que ce quatuor nous livre à travers ses compositions.
Discographie du groupe :
3 (Nech, 2006)
Second (Nech, 2003)
00/1 (Nech, 2001)
Site Internet :
http://www.deleyaman.com
www.myspace.com/deleyaman
www.japel.org
Ils ont dit :
« Avec ce nouvel album, Deleyaman complète parfaitement son triptyque musical. Outre le côté sombre et intense des mélodies, on y trouve une relation subtile et fusionnelle entre les instruments contemporains et traditionnels. Grâce à la voix très pure de Béatrice
Valantin, soulignée d’échos et d’accompagnements transcendants, on se laisse planer au cœur des mélodies, proches des chants sacrés et spirituels.
» Florence G. Yérémian, France-Arménie N° 282, Septembre 2006.
© Copyright Le Satellit Café, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, janvier
2007.
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Aline
De Lima
Chant,
composition
Elle écrit des chansons parlant de
spleen, de foi, d’amour et de nostalgie (la
saudade), avec beaucoup de grâce : des petits
frevos dansants et charmants. Aline de Lima,
brésilienne exilée à Paris, parisienne du
monde, est une future grande ! Ses chansons
respirent la bossa-nova autant que les rythmes
de carnavals sautillés en poids plume. Elle
les chante comme en secret, d’une voix
gracieuse, emprunte d’une fragilité
déroutante, tentant de cerner les détails qui
n’en sont pas, les instants… Un premier album
« Arrebol » à paraître prochainement chez
Naïve. Aline la morena est une révélation.
Aline n’est pas de Lima, au Pérou, mais de
Caxias au Brésil. Elle est pourtant tout aussi
indigène qu’un Indien Quetchua, une indigène
de son temps. Aline de Lima est née en 1978, à
la frontière du sertao, le désert intérieur
brésilien porteur de tant de mythologies, dans
l’Etat du Maranhao, terre de grande culture
populaire, qui fut un temps française. Aline
compose un répertoire enraciné dans cette
terre. Bumba meu boi (danses expiatoire du
bœuf Apis), quadrilhas (rondes de la
Saint-Jean inspirées de la quadrille
française), carnavals bons enfants, condomblés
vaudous et mystiques : la capitale Sao Luis,
surnommée au 19è siècle « l ‘Athènes
brésilienne », lui a fourni toutes sortes
d’influences musicales, de rythmes. Et puis,
un jour de 2001, exilée du Maranhao, elle
décide sans retour qu’elle sera chanteuse.
Elle a eu un père, employé de banque, fan de samba, genre sudiste et national, et une mère, institutrice, fan de Maria Bethânia et Chico
Buarque,
deux poètes de la MPB (Musica popular brasileira) que la dictature militaire (1964-1982) ne parvint jamais à bâillonner.
Aline a un doute sur l’origine de son prénom, ou pour le moins un soupçon : c’est qu’à l’époque, un certain Christophe chantait un drôle de truc,
du genre « Et j’ai crié, crié, Aline… », dont un mauvais copieur avait fait une version brésilienne : « Aliné, Aliné », avec l’accent – et Aline (de Lima),
enfant, se cachait, toute rouge.
Longtemps, pour Aline de Caxias, la chanson fut un secret. Un désir ardent qu’elle estompait en dessinant. En cachette, Aline chantait.
En vrai, la première note de « Bon anniversaire » devant
un gâteau monté la menait aux pleurs. Réfugiée en solitude, la gamine reprenait le cours des comptines : « Atirei o pau no
gato, to, to… »
(J’ai jeté un bâton au chat, chat, chat ».
À cinq ans, Aline défile déguisée en cigale, avec une petite guitare, et ses copines en fourmis. Elle enfouit.
Et puis, un jour de 2001, exilée du Maranhao, elle décide sans retour qu’elle sera chanteuse.
Elle a planifié un programme musical personnel, avec mise en musique de poèmes écrits depuis son départ du Brésil – pour Stockholm – en 1998,
exercices de chant et apprentissage méthodique de l’histoire et du répertoire de la
MPB. Arrangeur, saxophoniste,
le Français Frank Chatona veille au grain musical. Aline, la « morena », terme qui met un terme à la question noire brésilienne, la créole donc, est à Paris.
Elle écrit Terra, en citant Cançao do Exilio, de Gonçalves Dias, grand représentant de la poésie romantique et indigéniste brésilienne,
né près de Caxias en 1823. « Ma terre a des palmiers où chantent des rouges-gorges/ Les oiseaux qui roucoulent ici, ne roucoulent pas comme là-bas ».
Un premier disque, de la scène, Aline de Lima apprend avec précision l’histoire de la
MPB. Elle écrit des chansons d’amour, du spleen, de la foi,
des bribes, avec beaucoup de grâce : des petits frevos dansants et charmants, des chansons d’amour et de nostalgie (la
saudade).
Elle tente de cerner les détails qui n’en sont pas, les instants. C’est pour cela qu’elle chante Septembre, de Barbara, en français
– dans le plus simple appareil, violoncelle, piano. Ses chansons respirent la bossa-nova autant que les rythmes de carnavals sautillés en poids plume.
Elle les chante comme en secret, d’une voix gracieuse, emprunte d’une fragilité déroutante. Pas de calcul, de l’instinct d’enfant cigale, des propos de femme.
Aline de Lima a donné son premier concert dans le 17è arrondissement de Paris, puis elle a mangé du couscous avec ses musiciens. Il y
eu d’autres sets, dans les bars. Puis à la Maroquinerie de Paris, au Festival Instants du monde à Rezé,
et la rencontre avec le producteur indépendant français Naïve. C’est un autre Brésilien du Nord, Vinicius
Cantuaria, guitariste, chanteur, compositeur,
vivant à New York, qui a produit Arrebol. Il y a invité certains de ses amis, dont le guitariste Marc Ribot, figure centrale de l’underground new
yorkaise.
Percussions fines, guitares travaillées, cordes soyeuses : tous se sont retrouvés au studio
Shinebox, au cœur de New York.
Aline est gâtée. Elle aurait pu être gâchée. Mais l’idée de casser la légèreté de la chanteuse n’a pas effleuré l’homme expert.
Elle est ainsi intacte, de Lima de Caxias, parisienne du monde.
Site internet :
http://www.naive.fr/artiste_coll.php?id=359
© Copyright Muriel BURNOD, association World Music, 2006.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, juillet 2006.
mise à jour en février 2007.
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Dominique Delord
Conférences,
Recherche historique et documentaire, Textes
Après des études d’histoire
de l’art, elle a bifurqué vers le monde du spectacle, comme artiste
ou productrice.
Artiste lyrique de 78 à
2000, elle a chanté comme choriste, puis soliste, alternant opéra (Clémence
de Titus, Flûte
enchantée) et opérette (la
Fille Angot, la Vie Parisienne), musique contemporaine (Dracoula,
de Claude Ballif – Opéra
de Metz, Théâtre de Paris), classique (nombreux récitals de lieder)
et baroque (répertoire avec guitare,
espagnol, anglais et français).
De 1987 à 1994, elle a
assuré la coordination générale de la Fête de la Musique au CENAM,
pour le ministère de la culture.
Passionnée par les musiques latines, elle a été chef de projet
adjoint du Festival Rythmes Caraïbes
de la Grande Halle de La Villette en 98, programmant concerts, films et
expos. En 1999 et 2000, elle a
été directeur de production au Centre National du Théâtre pour le Printemps
Théâtral et le Festival
de la Citoyenneté.
De 2000 à 2006, elle a organisé pour la Chambre Syndicale de la
Facture Instrumentale des événements
(Osez la musique, Parc Floral, 2002, 2003), et développé le
projet national Orchestre à l’école.
Membre de la société
historique parisienne Histoires et Vies du Xème, elle a conçu en 2004
deux semaines d’hommage à
Victor Schoelcher (exposition Mairie du Xème, conférence-concert sur
Schoelcher et la musique,
programmation cinéma l’Archipel, conférences et promenades). En
2006 est paru son premier livre en
tant qu’historienne, Campagne des mers du sud, Mercure de
France.
© Copyright L'Arhipel & Le Hall de la Chanson, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion,
septembre 2007.
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Étienne Demange
Batterie, Percussions
Les premiers contacts avec la musique
d’Étienne Demange se sont faits au travers de la danse classique, qu’il a pratiquée pendant dix ans. Percussionniste autodidacte, et également guitariste, il s’est d’abord intéressé aux musiques improvisées, en jouant notamment dans le groupe Akhena, qui s’est produit en France et en Suisse. Il participe régulièrement à des spectacles théâtraux et musicaux en tant que percussionniste, et joue avec les groupes de jazz Tao saxophone Quintet, en duo avec Yves Hasselmann et avec le groupe de chanson Abra Khadabra. Il anime également des ateliers batterie, des ateliers d’éveil musical pour jeunes enfants, et encadre des stages de musique improvisée au sein de la MJC Palente de Besançon, au cours desquels il a collaboré avec la fanfare
"Ceux qui marchent debout" et le flûtiste Magic Malik...
© Copyright Le Satellit Café, 2006.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, octobre 2006.
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Arnette De Mille
Danse,
Improvisation
Originaire de New York, Arnette de Mille est danseuse depuis 40 ans.
Elle a été chorégraphe, solo performer, pédagogue, directrice d'une
école des arts du spectacle dans un quartier défavorisé à New York.
Arnette utilise uniquement l'improvisation depuis les années 80. Elle
a puisé son expérience aussi bien dans la danse moderne que dans les
arts martiaux, les danses rituelles, ou les pratiques populaires. Son
art de l'improvisation vise à une grande liberté expressive et permet
une approche simple et enrichissante. Elle a collaboré notamment avec
Peter Kowald, Muneer Abdul Fateeh, Philip Johnson, The Rova Saxophone
Quartet, John Betsch, et Jobic le Masson.
© Copyright Le 7 Lézards, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, mars 2007.
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Mariana De Moraes
Voix
Mariana de Moraes,
fille d’Ipanema (mythique plage de Rio) a baigné dans les
effluves de la musique, tout comme son amie d’enfance Bebel
Gilberto. Il y a un an encore, elle était présentée comme
« la petite fille de… » – en l’occurrence Vinicius
de Moraes, diplomate, poète, musicien, compositeur associé à Tom
Jobim et consacré universellement en temps que « père de la
bossa nova ». Aujourd’hui, Mariana s’impose en tant que telle.
Son timbre chaleureux, sa voix douce et enchanteresse, en font sans
conteste une des voix, une des divas brésiliennes des plus
remarquable. Ce n’est pas pour rien si elle sera l’ambassadrice
de cette quatrième édition de Paris-Brasil !!
Ce sont d’abord
ses précoces talents d’actrice qui la révèlent au public brésilien dans
son adolescence à partir de 1984 : six longs métrages, cinq pièces
de théâtre et, comme il se doit dans son pays, des rôles
substantiels dans plusieurs telenovelas. C’est presque
tardivement, en 95, qu’elle opte pour la musique. De nombreux
shows au Brésil, avec de prestigieux partenaires, Maria Bethânia,
Toquinho, Luiz Melodia, Moreno Veloso. Deux albums, le premier, un
live, en 98 avec Elton Medeiros, un parrain de la samba, et Zé
Renato (meilleur concert de l’année en 99), puis un second
enregistré à Los Angeles, non distribué en Europe (2002).
© Copyright Le Satellit Café, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, avril 2007.
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Eumir Deodato
Piano
Célèbre
auteur-compositeur il a composé pour les plus grands Kool & the
Gang, Bjork, Earth Wind and Fire...
Introduction
Widely regarded as one of the most respected and sought-after
musicians in the music world,Brazilian-born Eumir Deodato has racked
up 16 platinum records to his credit as artist, arranger orproducer
with combined sales of well over 25 million records in the USA alone.
His discography,including compilations and all his work as arranger,
producer and keyboardist, surpasses 450 albums.
He has also had the honor of performing with the St. Louis Symphony
(which backed him on hissuperb Artistry album), the Cincinnati
Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra diMusica
Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists
over the years have coveredhis songs, including George Benson, Lee
Ritenour, Sarah Vaughan and The Emotions to mention justa few. And
yet, in spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions
over the years, the multitalented, multi-instrumentalist will
probably forever be associated with one song - his innovative
rendition of Richard Strauss' classical opus Also Sprach Zarathustra
(or more commonly known as the theme to 2001: A Space Odyssey).
That single compelling song, which first appeared on his 1973 debut
album for CTI Prelude, sold at least five million copies and earned
Deodato his first Grammy Award, instantly moved him to international
stardom and setting a course for his remarkable ongoing career in
music. Thirty years later, that same tune has found its way into the
repertoire of the jam band Phish, a testament to Deodato's enduring
influence.
History
Born in Rio de Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin,
Eumir Deodato got his start by playing the accordion at age 12.
Shortly thereafter, he started studying piano as well as
orchestration, arranging and conducting. Strictly self-taught, he
immersed himself in theory books while spending countless evenings
sitting behind orchestras and carefully observing how each part was
played. His first break came at age 17 when he arranged and
conducted his first recording session for a 28-piece orchestra. It
wasn't long before Deodato became one of the most active and
respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene,
recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis
Regina and Antonio Carlos Jobim.
In 1968, Deodato moved to New York and began working with Luiz Bonfa,
the legendary composer of Black Orpheus, while also doing extensive
studio work for Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos
Jobim, Marcos Valle and many other Brazilian artists who were living
in the Big Apple at the time. When writing the arrangements for
Astrud Gilberto's Beach Samba , he became acquainted with producer
Creed Taylor, who hired him to arrange for other CTI artists like
Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond and
Tom Jobim. His reputation in the fields of pop and black music was
strengthened by his arrangement work for Frank Sinatra (Sinatra
& Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet
Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life). Following a
performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in
1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as
a leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison
Square Garden in New York City in 1973.
After seven years of world-wide
touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe)
and eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to
concentrate on studio work once again. Besides highly successful
solo albums for the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work
as a producer/arranger earned him several more laurels. One of his
first productions was Kool & The Gang's #1 pop single
Celebration. He followed that success with production or arranging
work for Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck
Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun,
Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners),
White Lion and Brenda K. Starr, for whom he produced the pop hit I
Still Believe in 1987. Deodato also had three other multi-platinum
albums for Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special
and As One.
The recent years
In the 90's, Deodato continued to be a vital force on the pop scene
through his work with Icelandic singer Bjork. In addition to
arranging her last three albums: 1995's Post, 1996's Telegram and
1997's Homogenic, Deodato produced a highly praised acoustic version
of Bjork's Isobel, sub-titled Deodato Mix, which became a club scene
favorite. He has also produced material for French singer Clementine
(also touring Japan with her as a special guest in 1994), arranged
and produced a top 10 single for Brazilian singer Gal Costa (1996)
and has performed as guest conductor with Bjork both in Brazil
(1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts at Downing
Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop acts
Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos Brown
(Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band
Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a
project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London
during the summer of 1998.
In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film starring Amy
Irving, and the following year produced the CD of that score for
Verve Records. His most recent projects including production work
for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa
Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.
Deodato has also worked on several movie scores, including The Onion
Field, The Black Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From
Ipanema, The Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London
Symphony Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter,
Beat Street, Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been
widely used on major movies such as Being There and The Exorcist.
The New Century
In November 2001, Deodato participated in a benefit concert in New
York City where he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra:
2001). The reaction was so fantastic he got encouraged to go back
doing concerts. By 2002 he lined up a few selected presentations,
starting with a concert at the Vienna Opera House, as part of the
Vienna Summer Jazz Festival. That was followed by Villach (Austria),
Pori (Finland), The Hague (North Sea Jazz Festival), and many others
that followed, like Capetown (South Africa), Rome and Rimini (Italy),
Amenia, NY (World Peace Organization), Antigua, Guatemala etc.
Meanwhile, in 2002 he worked with Milton Nascimento in Rio de
Janeiro, which generated a Latin Grammy for the song Tristesse as
best Brazilian song of the year, then miscellaneous work with
different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda
Abreu and more recently, KD Lang for her new record slated to be
released in the Spring of 2004. At this moment, January 2004,
Deodato is working on some String Orchestra arrangements for the
2004 KD Lang World Tour. There will be more concerts in the horizon
as well as more arranging work including a possible new record. So
watch out!
© Copyright Le New Morning, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, février 2007.
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Ludovic De Pressac
Piano
Né en 1962, sa mère, harpiste
classique, l'initie au solfège puis lui fait découvrir le piano qu'il étudie
avec divers professeurs. À quinze ans, son père, clarinettiste de Jazz,
lui inculque les rudiments de cette musique tout en poursuivant un cursus
dans une classe musicale. En 1981, il obtint son diplôme des Métiers de
la musique au Lycée de Sèvres. Il commence alors véritablement sa vie
de musicien dans les clubs de jazz et dans les pianos-bars parisiens.
Engagé comme pianiste du prestigieux Orient-Express, il voyage à travers
toute l'Europe.
Sur les Routes du Jazz.
Sollicité par des musiciens de jazz classique comme René Franc, Maxime
Saury, Stéphane Guérault, il continue à se perfectionner (1er prix de
piano à Issy les Moulineaux) et aborde l'écriture (Schola Cantorum,
C.N.R. de St-Maur). Son attirance pour un langage plus moderne se
manifeste dès ses premières compositions qu'il dédie à son tout
nouveau trio. Il se produit régulièrement dans les clubs parisiens. Pour
la création de son quintet, Ludovic de Preissac écrit compositions et
arrangements dans une esthétique proche de celle des années 50.
C'est aussi l'époque de deux premiers disques compacts. Il affine peu à
peu son écriture en réalisant des arrangements pour petites et grandes
formations, qu'il présente dans différents concours (La Défense,
Concours international des thèmes de jazz de Monaco) dont il est
finaliste. J.L. Longnon, V. Ponomarev, Turk Mauro font appel à lui pour
les accompagner dans divers contextes (clubs, festivals). Il s'intéresse
également à l'enseignement et obtient en 1995 le C.A. de jazz. Il dirige
depuis 1997 la classe de jazz du conservatoire national de Troyes, la
classe de piano-jazz à Issy les Moulineaux et intervient régulièrement
dans différents stages à travers la France.
Ludovic de Preissac Trio
C'est à l'âge de 26 ans qu'il constitue son premier trio qui puise son
originalité et son énergie dans différentes périodes du jazz, mais
reste fortement influencé par des pianistes comme O. Peterson, B. Evans
et C. Coréa. Son premier C.D est l'expression parfaite de cette formation
qui s'affirme d'emblée comme une entité. On y trouve entre autre deux
standards de conception originale arrangés par L. de Preissac.
Des solistes invités se joignent parfois au trio pour élargir ses
possibilités. Ce trio peut aussi illustrer, dans un contexte plus
didactique la deuxième partie de l'histoire du piano-jazz (la première
étant présentée en piano-solo).
© Copyright Espace Concert, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, mai 2007.
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Bille Deraime
Guitare
Chaque artiste fait
résonner une note qui lui est propre : par sa sensibilité
personnelle, il révèle un morceau de la société dans
laquelle il évolue.
Quand Bill DERAIME a commencé à écrire et
à composer, il était issu de ce milieu hippie des années 70
qui commençait à réaliser que le monde changeait – mais pas
du tout comme il le rêvait : le ciel devenait sombre. Bill
était jeune, il s’est mis à décrire ce qui l’entourait
; il avouait que « c’est dur », qu’il « faut
se tirer ailleurs ; « il montrait toute une frange de
personnages qui, comme lui, ne se laissait déjà pas séduire
par une triste société marchande : il y avait ceux qui
avaient eu un rêve, ceux qui voyaient qu’il ne se réaliserait
jamais, ceux qui, déjà, renonçaient ; il fallait
devenir pragmatique, ne plus croire qu’on pourrait
transformer le monde, chanter des chansons. Les temps étaient
sévères.
Lorsqu’il a saisi que c’était la fin d’une époque, il
avait déjà changé ; il était parti voir ailleurs :
babylone
déconnait trop. Oui, Babylone déconnait, le nirvana promis
était pulvérisé. Or, cette chanson était une base à
partir de laquelle Bill allait construire tout ce qu’il écrirait
ensuite.
Les années passant,
sa sensibilité s’est affirmée ; elle
est devenue adulte. À travers 13 albums, un fil s’est
dessiné : Bill voulait faire ressentir
ses propres sentiments de malaise ou d’espoir à ceux qui écouteraient
les chansons, mais ce pari n’était possible qu’avec une
grande légèreté dans l’écriture : il n’était pas
un politique.
De "c’est dur de se lever quand on est bien au
chaud dans l’lit..." à "entre deux eaux où pour
remonter à la surface, il faut souvent toucher le fond",
en passant par "sur le bord de la route" ; "j’ai
toujours cette chienne à mes pieds, quand j’essaye de
courir elle me mord", sans oublier que "avant la paix :
il y a tell’ment de vrais mensonges et de fausses vérités...
Telle’ment d’arbres à replanter ?"
Et le rêve entrevu qui a traversé le monde dans les années
de jeunesse lui fait découvrir une nature dont il est
solidaire à travers le temps : "c’est moi le
simple nomade, et le grand bâtisseur ; le prisonnier qui s’évade,
l’éternel voyageur ; je suis l’Homme" Pas à pas, des
ponts sont lancés entre ce qui peut être le désespoir du
quotidien et la vision têtue de l’avenir.
Le dernier album continue dans ce sens : Bill
a plaisir à écrire et il en profite pour affirmer ce
qu’il a dans le cœur : maintenant, il peut le laisser
apparaître ; il a atteint la maturité.
Ainsi : le système combat la violence et la misère
qu’il génère. En libéral il étale sa libéralité. Mais
en fait, c’est toujours le vieux dollar vert qu’il sert :
il ne fait que singer l’ancestrale charité. Esclaves ou
exclus, la douleur est la même ?.. Bill annonce la
couleur, désormais sans ambiguïté. Il parle
tranquillement de ce qui lui tient à cœur. Posées sur
une solide rythmique reggae, de telles paroles deviennent
chanson, et s’impriment facilement dans la mémoire. Il
dit ce qu’il a à dire en tant qu’artiste : le temps
des complexes est passé ; il y a urgence à exprimer ce que
tous ne peuvent pas crier.
Devant une société opaque et absurde, il a fait le choix
de la lutte par le seul moyen qu’il connaisse : écrire et
chanter. Il devient un artiste qui vibre au souffle
d’alentour, qui se laisse imprégner par les autres, par
ce qui se passe sur la petite terre.
Puis il met ses réactions en mots
et en musique, et il utilise cette voix très personnelle
pour laisser passer ce feeling qui lui est propre. Ses
convictions ont pris du poids, depuis les jours où il était
éducateur dans un centre de post cure, avant de partir en Amérique
Centrale dans les camps de réfugiés, ou dans une favella
au Brésil. Ce qu’il a vu du monde, ce qu’il a lu, ses
échanges avec les personnes de la rue, il ne peut pas les
garder pour lui ; il lui faut les transmettre. Bill
DERAIME construit avec entêtement une œuvre
composées de chansons qui ouvrent le cœur, donnant la
parole à ceux qui n’en n’ont pas.
Il livre ainsi l’intime de sa vie. Car ,l’heure est
grave mais non désespérée : oui on peut faire bouger
le système, oui on doit mettre l’homme au centre de
toutes préoccupations, oui on est nombreux, ensemble,
modeste, têtu ; oui, l’aventure est plus belle que tout
ce qu’on imagine. Lui réagit avec son art ; il ouvre des
pistes, et c’est là qu’on rencontre sa force de
conviction, sa volonté de dénoncer. En faire un fonds de
commerce, il n’en est pas capable, ça ne l’intéresse
pas ; se positionner comme rebelle encore moins :
c’est
bien inutile ; il l’a toujours été à
contre courant... devenir militant ? mais il
l’est : tout est dans les chansons... réfractaire
à tout endormissement dans le ’à quoi bon’, attentif
aux exclus, aux débarqués du système, à l’écoute
des battements du cœur de notre quotidien, il nous donne
simplement à partager un peu de chaleur et beaucoup,
vraiment beaucoup de tout ce qui fait de l’homme un Homme :
le Bien Commun, la Solidarité en Action, l’Union, le Rêve
revisité.
Écoutons le. Nous ne serons plus jamais seuls à chanter
nos chansons. Ils ont eu tout c’qu’ils veulent :
Ayons c’que nous voulons : Des champs de rédemption...
Claude Vasseur.
© Copyright Jazz en Artois, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, mars 2007.
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Janice De Rosa
Voix,
Direction
« Le blues vient d’Afrique et a grandi aux Etats-Unis, moi
je fais le chemin inverse ; la boucle est bouclée. » Janice
de Rosa, teint incroyablement clair, cheveux blonds et bouclés,
nez aquilin, 100% new-yorkaise, n’a à priori rien d’une
africaine. Et pourtant, elle a tout d’une diva du blues :
une voix rauque, comme brûlée de l’intérieur, née de clubs de
jazz enfumés où elle a fait ses classes, une voix qui exprime un
monde partagé entre déchirure et volupté.
Janice deRosa débarque à Paris en octobre 1990 pour exposer ses
peintures à la célèbre Galerie Médicis. L'été suivant, Janice
est invitée à participer à une exposition internationale sur la
Cote d'Azur.
Son inspiration artistique ne vient pas d’heures d’isolement
tranquille. " Je ne suis pas le type de personne qui aime écouter
le cliquetis du radiateur," dit elle, " j'aime être avec
les gens." Cela l'amène à fréquenter les clubs de jazz et
de blues de Paris. À la fin de leurs prestations Janice demandait
aux musiciens si elle pouvait chanter. Lentement, elle s’est bâti
une solide réputation. Sa popularité se développe et la scène
s’élargit aux clubs de jazz parisiens établis où elle est
toujours présente.
Le nouvel album "deRosa" rassemble Janice le peintre et
Janice la chanteuse. Un autoportrait illustre en effet la pochette
de l’album.
Quand on demande à Janice de quelle manière Paris a influencé
sa musique, elle répond invariablement que toutes les places sont
propices à cet exercice. Ce qui frappe chez elle, c’est une
voix singulière, qui n’appartient qu’à elle, ensorcelante,
à la chaleur communicative...
New yorkaise, grandie à Harlem,“ quand il y avait un Harlem
”, elle est de cette première génération née Américaine
d’une famille de réfugiés de guerre.
Janice a baigné tôt et passionnément dans le jazz, le blues et
la soul. DeRosa joue du piano à 5 ans, chante à 8, tâte de la
guitare à 13, et créé ses propres chansons et groupes à New
York.
Elle a appris “ ce que veut dire le blues...” quand son
père est sorti un jour pour acheter un paquet de cigarettes et
n’est jamais revenu, n’a jamais plus appelé, ni écrit, ni
apporté le moindre soutien à l’enfant qu’elle était. “
Malgré tout, il fut le premier homme que j'ai aimé...” À 14 ans, elle est sélectionnée pour être inscrite à la
prestigieuse haute école de musique et d’art “The fame
school’’ où chacun est une star. L’occasion pour Janice
d’aiguiser son sens artistique.
Après avoir brillé sur les scènes de sa ville natale, New York,
jouant dans les grands clubs de rock, Janice commence à voyager
en Europe aux côtés de groupes tels Talking Heads et
B52's. Celle que la presse surnomme la diva du blues est tête
d’affiche de festivals européens, aux côtés d’autres divas,
ses sœurs DeeDee Bridgewater, Tania Maria, Cesaria Evora ou
encore Dr. Jon, Syl Johnson, Brian Eno et Suzanne Vega.... !
Jazz et blues ont toujours coulé dans les veines de Janice.
C’est à Paris, au début des années 90 que son "Blues feeling" et le
velouté de sa voix sensuelle rencontrent la musique de la scène
africaine. Janice commence à travailler avec des artistes
africains, enregistrant les albums tels que "Afro Blues" (WEA) et
"Aduna" (Next music) qui ont créé la sensation dans la
capitale française aussi bien que sur les ondes de dizaines de radios en France et à travers le
monde.
À cela s’ajoute le film “Coup de blues à Janice deRosa’’,
un portrait intimiste réalisé par Didier Agostini pour TV5.Deux
années de travail entre Harlem et Paris pour donner à voir qui
se cache et pourquoi derrière cette voix mêlant sensualité et
rage.
Janice de Rosa ne se contente pas de chanter ; elle fait bien plus
que cela lorsqu’elle fait vibrer les mots avec un timbre unique,
profond et totalement troublant, lorsqu’elle envahit la scène
ou pose sa voix et son charisme uniques sur un disque intitulé
tout simplement Janice de Rosa. Après la sortie de son 4e album
en juin dernier, la chanteuse new yorkaise viendra tout simplement
nous ensorceler au Satellit Café.
Les musiciens
:
-
Marten Ingle : (San Fransisco,USA):
bass, vocals grooves with Valéry and has been featured with
greats like Percy Sledge, Tony Allen, Ray Lema, Gabrielle
Lazure, Yasuaki Shimizu, Yuma Sumac, Elliot Murphy, Gary
Christian.
-
Pierre Valéry Lobé : (Cameroon,Africa):
drums/percussion/vocals arranger has recorded with many giants
in world music-The World Tour Manu Dibango-Ultra marine-Touré
Kunda-Salif Keita-Shimizu Yashuaki-Gift Cherry-Molokaî We
-
Sal Bernardi (New Jersey, USA) :
harmonica, piano, lead guitar -best known since the 80's as
Rickey Lee Jones's guitarist-albums and world tours, not to
mention playing with Walter Becker, Blue Nile, Elliot Murphy,
Eric Anderson, Lenny McDaniel, and Alan Merril to name a few.
Sal is featured playing on Janice's previous album.
Crédit photo :
Orso
Albertini
Discographie :
Site Internet :
www.myspace.com/janicederosa
www.janicederosa.com
Ils ont dit :
Selection FIP
Album chroniqué OVATION par la rédaction du magazine Blues Again.
ELLE MAGAZINE………..…………Elle est blanche, Diva du
Blues
MUSIQUE INFO HEBDO……Janice deRosa, le bon coup du blues
TELE POCHE ..........................................La
voluptueuse deRosa
RTL
.........................................................Fougueuse
et passionnée
PARIS VOICE…..……………………….. Jazz Diva Janice
deRosa
AIR FRANCE MAGAZINE …………Un album qui parle de beauté
L’EXPRESS ……………………………………Un blues de
femme
FEMME ACTUELLE…………………..…Une merveille du genre
LE PARISIEN..………………………………..…UN vrai
bonheur
ASSOCIATED PRESSE………..……L’incontournable deRosa
METRO …..…………………………………..…Un sublime
album
RFO...................................................................……L’album
de l’année
© Copyright Le Satellit Café, 2007.
Page maintained by Christian Boullangier, Jazz-Passion, août 2007.
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Laurent De Wilde
Piano,
Fender Rhodes
Électrisé par ses récentes
explorations musicales, Laurent de Wilde revient avec gourmandise à
sa formation fétiche, le trio.
Reprenant la piste là où il l'avait laissée au siècle dernier
avec Spoon-A-Rythm, Laurent insuffle dans son jazz acoustique une généreuse
maturité qui évolue sans peine d'un intimisme lyrique en aérienne
suspension à des groove sans concessions.
Ses compagnons Laurent Robin (Michel Jonasz, Hymne au Soleil, Michel
Portal) et Darryl Hall (Hank Jones, Geri Allen, Baptiste Trotignon),
d'une grande ouverture musicale, sont les parfaits complices de ce véritable
projet de groupe, original et fécond. Autant cadeau qu' hymne au
jazz d'aujourd'hui, l'album s'appelle : The Present (Nocturne)
Laurent de Wilde réactive son trio.
Restée en suspens durant ses récentes explorations électroniques, cette
formation fétiche était attendue avec impatience par ses amateurs de
jazz acoustique.
Des années ont passé, et trois albums électro, depuis Spoon-a-Rythm et
les Victoires de la Musique. De longues heures passées devant les
ordinateurs, samplers et autres claviers, qui ont contraint Laurent à
aborder la musique sous un angle différent.
Enrichi de cette expérience, il insuffle aujourd'hui à son nouveau trio
une chaleur et une liberté profondément originales.
Tout d'abord en reprenant des titres de son répertoire électro, The
Present et Move On, et en les transfigurant dans un univers purement
acoustique. Le résultat est surprenant tant ces titres semblent avoir été
écrits pour un trio : ils évoluent sans peine d'un intimisme mélodique
en aérienne suspension à des grooves sans concessions qui rappellent
combien une telle formation peut être souple et vivante.
Laurent n'oublie pas non plus ceux qui l'ont ouvert à d'autres horizons
musicaux, et offre avec One for Ernie un coup de chapeau au guitariste
Ernest Ranglin, véritable fondat |
